Quase um Rick Blaine

Allen para jovens?

2012-02-15T00:42:00.008-02:00

O Woody Allen foi construindo seu cinema tendo o humor como base, isto está claro como um dia sem nuvens. Nesse percurso, sua cinematografia foi marcada pela constância e, evidentemente, pelo texto afiado do autor, principalmente quando de suas desventuras e aventuras calcadas no humor. Ainda assim, nesse transcorrer cômico e cênico, por vezes a mão do autor não é das mais inspiradas e ele acaba cometendo pequenos deslizes como Igual a Tudo na Vida (Anything Else, 2003) e Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos (You Will Meet a Tall Dark Stranger, 2010), filmes sobre pessoas jovens e, parece-nos, para quem os questionamentos de Allen ainda não são tão pertinentes. E esse deslocamento é ainda maior na escolha de elenco, caso das duas produções. Na película Igual a Tudo na Vida, o diretor/roteirista tenta fazer de Jason Biggs seu alterego anacrônico e, mesmo contando com a vivaz atuação de Christina Ricci (esta sim uma atriz colocada em um sincronizado ritmo), o resultado final é não mais que um problema para um cineasta a quem costumamos dizer que faz bons filmes mesmo quando erra. Além disso, Igual a Tudo na Vida traz uma história aborrecida que fica girando sobre si mesma e sobre um tema no qual as outras grandes produções de Allen – Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (Annie Hall, 1977), por exemplo – estão muitos patamares acima. Já no caso de Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos fica claro, para nosso pesar, que nem mesmo a atual fase europeia de Woody Allen escapa aos vícios esquemáticos que algumas poucas comédias do autor padecem. E aqui o elenco é ainda mais curioso, misturando performances tão estranhas quanto antagônicas de Anthony Hopkins, Naomi Watts, Josh Brolin e Antonio Banderas. E, pensando bem, nem chega mesmo a ser uma produção tão inglesa quanto o cenário (Londres, atualmente) possa sugerir, pois os dilemas tratam daquela velha insatisfação pessoal que, em algum momento, afloram nas vidas urbanas e nos relacionamentos contemporâneos que tão frequentemente Allen abordou em suas crônicas de Nova Iorque. A cidade de Londres, inclusive, quase desaparece no desenvolvimento da narrativa, diferentemente de obras como a sua famosa trilogia tragicômica dos anos 2000 que incluiu Ponto Final - Match Point (Match Point, 2005), Scoop - O Grande Furo (Scoop, 2006) e O Sonho de Cassandra (Cassandra's Dream, 2007), todas tendo a capital da Inglaterra por cenário. Podemos mesmo supor que Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos não chegou a ser uma comédia de erros, mas certamente errou em se parecer com uma comédia. Assim, os dramas do casal idoso, da funcionária que se apaixona pelo patrão, do autor que se encanta por uma conquista que lhe escapa à realidade, e dos coadjuvantes pouco aproveitados soam como reticências, não mais que reticências...

Simultaneamente

2012-02-14T21:59:00.003-02:00

O que mais acontece por aí são as coisas simultâneas e a mais importante dentre todas é a relação espaço/tempo. E o cinema de ficção científica adora esses conflitos que, para o bem e para o mal, simbolizam os prazeres mundanos e, é claro, as finitudes que todos aprendemos a aceitar passivamente – e que podemos fazer? A resposta, então, é oferecida pelas narrativas fictícias, caso deste Contra o Tempo (Source Code, 2011), de Duncan Jones.

A boa sacada de Jones não está exatamente na problemática que "viagens temporais", e o próprio roteiro é suficientemente esperto a ponto de afirmar que se trata de uma espécie de "viver de novo" (mais precisamente os últimos oito minutos da vida de uma pessoa) e não de alterar o passado. No entanto, as sugestões narrativas ainda ficam mais abrangentes quando o conceito central se expande e culmina na possibilidade de universos paralelos conviverem o tempo todo, simultaneamento, vagando por um espaço infinito de infinitas Terras.

Nessa teia de relações espaço-temporais, é curioso que a missão em si do jovem soldado Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) seja um mero pretexto aventuresco para que os argumentos do roteirista tenham alguma empatia com um grande público que adora uma ação desenfreada. Mas os artifícios do cinemão hollywoodiano, por vezes, e se bem usados, têm implicações positivas no saldo final da película.

A construção do roteiro (novamente, o destaque da obra) captou vórtices dramáticos utilizados em outros filmes de temáticas similares, sendo Feitiço do Tempo (Groundhog Day, 1993), do Harold Ramis, o mais próximo – principalmente quando da montagem das sequências cênicas. O ir-e-vir da trama, qual no filme de Ramis, possui uma dinâmica enxuta que não deixa as repetições soarem redundantes, e sim complementares.

De alguma forma a produção ainda aponta para o conceito mais expansivo que a humanidade jamais provou: a vida (ou as "vidas paralelas") é o que passa pela nossa mente e o cérebro do indivíduo também é seu próprio universo.

Valentine's Day

2012-02-14T21:57:00.002-02:00

Bogart e Bacall.

Liberdade, ainda que tardia

2012-01-26T18:30:00.007-02:00

Após tantas contradições que a história humana insiste em preencher no tempo que lhe cabe, temos constantemente a moral mais abrangente entre todas: a ideia da liberdade. Sim, a ideia e não a liberdade em si, justamente porque o conceito em si de ser livre é a seu próprio antagonista. V de Vingança (V for Vendetta, 2005), de James McTeigue, tem o mérito de situar essa discussão histórica para o presente, num mundo repleto de liberdades condicionadas na qual as artes, em especial, são as únicas ferramentas de um prazer individual e, por que não?, libertador.

A personagem que nos guia por esses paroxismos contemporâneos é tão somente uma entidade que habita em nós desde a aurora dos tempos. Um cidadão (ou camponês, ou qualquer um que vive sob a régia de um governo) sem rosto cuja máscara carrega o sorriso de um vilão: eis o anti-herói sem nome que acredita na revolução do indivíduo mais do que na revolução da sociedade. A moral que balança ao longo do filme é aquela mesma que sempre esteve por aí, vagando os becos imundos das conspirações, esquivando-se nas entrelinhas das manifestações culturais, revelando-se no mundo oculto das formas de arte.

O filme de McTeigue tem roteiro dos irmãos Wachovski, que desde Matrix já se revelaram fãs da arte seqüencial. Apesar de bem estruturado, a produção não chega a deslanchar e, nalgumas ocasiões, peca por um didatismo (neste caso, as ações deveriam falar mais que as palavras) ou por uma aglomeração de referências óbvias – incluindo aqui John Hurt que no filme 1984 (baseado na obra de George Orwell) era perseguido pelo Grande Irmão, mas em V de Vingança transforma-se ele próprio naquele que tudo sabe (ou deveria saber). Natalie Portman está em cena, mas sua personagem como que apaga qualquer contribuição maior da jovem que está ali, teoricamente, a representar o próprio espectador. Num filme que fala sobre liberdade, o diretor acabou ficando preso numa falta de perspectiva. E, no cinema, perspectiva é a única liberdade possível.

...

Recentemente, atores sociais (jovens, em grande parte) realizaram e continuam a realizar protestos utilizando-se da máscara que a personagem V (Hugo Weaving) usa durante toda a película - sem jamais revelar o rosto do ator que a veste. O interessante é que, ao mesmo tempo em que a Warner Bros., detentora dos direitos do filme e da história em quadrinhos que originaram a produção, lucra com a venda das máscaras, os manifestantes criticam um status quo capitalista e explorador. Em alguma medida, isso me lembra que durante a derrubada do Muro de Berlim, em novembro de 1989, algumas pessoas guardaram pedaços da construção e depois venderam como souvenirs de um tempo cheio de dicotomias. A liberdade, nessas horas, ri de si mesma e jamais deixa de citar a mais genial frase sobre o tema, cunhada pelo filósofo Jean-Paul Sartre: “O Homem está condenado à liberdade”.

Encrenqueiros & Atrapalhados

2012-01-19T18:11:00.006-02:00

Seria qualquer coisa injusta e ilógica comparar o humor de dois atores tão distintos quanto Peter Sellers e Jerry Lewis apenas pelo fato de que fizeram comédias, incluindo duas produções de temáticas tão similares quanto no caso destes Um Convidado Bem Trapalhão (The Party, 1968) de Blake Edwards e Mocinho Encrenqueiro (The Errand Boy, 1961), do próprio Lewis.

Enquanto Edwards, que já trabalhara anteriormente com Sellers nos filmes A Pantera Cor-de-Rosa (The Pink Panther, 1963) e Um Tiro no Escuro (A Shot in the Dark, 1964), utiliza seu protagonista num minimalismo dramático que, devido ao talento do ator, paradoxalmente, ocupa todas as cenas, Jerry Lewis tira de si mesmo o carismático e conhecido exagero em piadas visuais que, por vezes, soam um tanto longas. Anos mais tarde, revendo o filme, o próprio autor (Lewis fora também o co-roteirista da película) comenta que poderia ter limpado mais o texto, o que é facilmente compreendido pela impressão que ficamos assim que Mocinho Encrenqueiro acaba: uma produção de grandes momentos – e o destaque pode ficar com a cena na qual sua personagem brinca na mesa de reuniões do seu chefe ao som de uma balada jazzística –, mas que quer tirar de si mais do que deveria.

Em Mocinho Encrenqueiro, Lewis é um colador de cartazes de cinema que é chamado pelo dono do estúdio no qual trabalha para descobrir por que os gastos no local estão altos. Assim, o rapaz se torna uma espécie de faz tudo e provoca as mais diversas confusões por onde passa, feito um completo desastrado. Já Um Convidado Bem Trapalhão, por sua vez, gira em torno de um ator indiano que, após causar um enorme prejuízo ao destruir uma produção cinematográfica, é chamado por engano para participar de uma festa justamente na casa do produtor a quem prejudicara em seu último trabalho. Peter Sellers, na pele do indiano atrapalhado, pontua toda a história com uma simplicidade bárbara que nem mesmo suas desventuras ao longo da festa fazem com que deixemos de torcer por seu êxito consagrador. E, se o ator não tem sorte naquele evento festivo tipicamente hollywoodiano, cheio de figurões do cinema e de gente que faz tudo (ou quase) pela fama, ao menos consegue cativar a única pessoa verdadeiramente nobre e interessante naquele local: eis o amor a cumprir uma função anti-social no filme, algo até hoje tão original que é mesmo difícil de ser reprisado.

As encrencas atrapalhadas de Lewis e Sellers podem soar como opostos complementares, mas convém ainda destacar que mesmo as plateias pretendidas por seus realizadores são distintas. Entretanto, as duas obras atingem um espectador comum: o apreciador de bons filmes.

Um Convidado Bem Trapalhão (The Party, 1968), de Blake Edwards

Mocinho Encrenqueiro (The Errand Boy, 1961), de Jerry Lewis

Cosmos

2012-01-19T13:55:00.002-02:00

Originalidade...

2012-01-19T03:14:00.004-02:00

...não é o forte de quem faz posteres.

Futuro do presente

2012-01-17T00:08:00.011-02:00

Têm uns filmes que não se explicam por completo e, mesmo assim, são bacanas. Outros, porém, não possuem a mesma sorte e acabam caindo naquela velha e famosa vala comum da indecisão.

Camisa de Força (The Jacket, 2005), de John Maybury, não escapa deste abismo que acomete boa parte (provavelmente a maioria) dos filmes estadunidenses atuais, mesmo que seu diretor seja fruto daquela ilha do norte chamada Inglaterra.

Entre idas e vindas no tempo – já que nossa personagem principal, o ex-militar vivido por Adrien Brody, é vestido numa camisa de força, colocado numa gaveta e dá uma visitada no futuro –, Maybury esquece de que, enfim, trata sua história.

Assim, a malchamada originalidade do nosso presente cinematográfico vai às favas com um diretor ainda inexperiente querendo fazer o dito cinemão hollywoodiano sem a ciência ou uma leitura mais apurada dos grandes – e, aqui, assistir 2001 - Uma Odisseia no Espaço seria uma opção válida! 2001 é o filme mais objetivo de Kubrick no que concerne ao conceito original e, da mesma forma, acaba por ser o mais vago justamente pela capacidade dramática que somente a mise-en-scène filmíca é capaz de produzir. Mesmo um outro caminho como, por exemplo, aquele trilhado na trilogia De Volta para o Futuro, do Zemeckis, daria para Maybury uma consistência que, infelizmente, sua película não consegue resolver.

Mesmo que Brody faça o seu feijão com arroz de sempre quando a produção é assumidamente inapta (vide Predadores), o filme padece de uma ausência de empatia no que se refere a todas as personagens relevantes, incluindo aqui a deslocada Keira Knightley, a mal aproveitada Jennifer Jason Leigh, o estranho Kris Kristofferson e um forçado Daniel Craig como que tentando imitar Brad Pitt em Os 12 Macacos do Terry Gilliam.

O fato é que Maybury não chegou a fazer um filme ruim, mas não conseguiu realizar uma produção bem elaborada – o que, no frigir dos ovos, não é nada mal para um inglês estreiando em terras ianques. Whatever, nem todo mundo é Beatles.

Além da Paris de Allen

2012-01-16T00:04:00.011-02:00

Paris é uma cidade como qualquer outra e, de alguma forma, ainda que sem querer, Woody Allen acaba por corroborar tal assertiva em sua primeira produção totalmente gravada na capital francesa: Meia Noite em Paris (Midnight in Paris, 2011).

À primeira vista, a película exalta aquela aura cultural que ao longo dos séculos XIX, XX e XXI foi construída em volta da cidade. E, por qualquer razão que a razão desconhece, parece que a cidade ganhou vida para além das pessoas, como convalida Gil Pender (interpretado por um improvável Owen Wilson), espécie de alter ego do diretor/roteirista Allen. Entretanto, a história apresenta uma sugestão contrária a sua própria proposta: são as pessoas, não o local em si, as responsáveis pela Paris que todos querem conhecer. Inevitavelmente, claro, as construções humanas e a natureza cumprem sua parte no afamado charme que convém à cidade. De tal medida, eis que o Louvre, a Torre Eiffel, o rio Sena, e tantos outros locais atraem turistas aos borbotões, bem como atraem artistas de toda sorte – caso de Woody Allen e de sua criação Gil Pender. A personagem, um escritor de roteiros estadunidense, chega em Paris como um turista, mas apaixona-se pelo local de tal forma que anseia por se mudar com sua noiva e aproveitar ao máximo essas sublimações locais.

A genialidade de Allen entra, porém, quando o roteirista Pender, embriagado pela noite e por algumas taças de vinho, embarca à meia noite numa viagem temporal ao lado de figuras históricas como o casal F. Scott e Zelda Fitzgerald, o escritor Ernest Hemingway, o músico Cole Porter, os pintores Pablo Picasso e Salvador Dalí, entre outras personalidades que estiveram por Paris nos anos 1920. Não por acaso, a década em questão causa fascinação em Gil, causando-lhe aquela nostalgia de um tempo não vivido – tema instigado pela história de Allen e que traduz um sentimento tão presente na vida de boa parte dos artistas. Sua tese é de que todos sempre gostariam de ter nascido noutra época, na qual a cultura era mais relevante, as discussões eram profundas e as pessoas intelectualmente (e, por que não?, fisicamente, insinua Allen) mais interessantes. Assim, para além da Paris de Allen, temos uma piada não intencional sobre a própria cidade: um lugar como qualquer outro, mas que cedeu espaço para algumas das pessoas mais envolventes que a cultura mundial já produziu. Paris é, por excelência, uma festa que sempre precisou de um público cativo e cativante.

Após os anos 2000, Woody Allen encontrou na Europa um novo mundo para seus filmes. E Meia Noite em Paris é seu tributo ao velho continente – e, também, às pessoas que nele viveram.

Paris fictícia

2012-01-15T01:44:00.009-02:00

Queridinha dos artistas, Paris também é uma festa para os cineastas. Volta e meia alguém vai para lá utilizar do imaginário coletivo que a cidade das luzes promove há muitas e muitas décadas. Mas há também aquela Paris fictícia, que não é outra coisa salvo o desejo do seu criador, no caso, do cineasta. Eis, por assim dizer, o que acontece em Quando Paris Alucina (Paris - When It Sizzles, 1964), de Richard Quine, filmezinho estranho que conta com as curiosas presenças de Audrey Hepburn e William Holden.

Trata-se de uma produção que faz uma paródia de si mesma, com um história que gira em torno de um roteirista que precisar entregar o roteiro de um filme em apenas dois dias, sendo que durante os meses nos quais ele foi pago não teve a vontade de escrever uma linha sequer. Holden parece que está a se divertir numa fina ironia quando assume o papel do roteirista e da personagem do roteiro que escreve. Sim, porque há o filme dentro do filme, mostrando para nós espectadores o processo da criação de um roteiro e os truques hollywoodianos - presentes, inclusive, em Quando Paris Alucina. Mas o filme peca ligeiramente por se prender apenas à ideia de um roteiro brincalhão, fruto do cinema daqueles tempos (anos 1960), com ênfase na comédia romântica - que Holden e Hepburn já haviam experimentado juntos com Sabrina (Idem, 1954), de Billy Wilder. Mas após Bonequinha de Luxo, poucos anos antes, o gênero como que parecia redundante. E Quine também não teve capacidade para criar o entrosamento necessário ao seu casal de protagonistas.

Mas o fracasso (ou alucinação) de Quine está na Paris fictícia que não é, nem de longe, a cidade que tanto nos fascina.

Todos sempre querem Paris

2012-01-08T03:06:00.003-02:00

É divertido entender como certos diretores acabam por determinar um método para um ator ou uma atriz e como tal fato implica diretamente nos filmes posteriores. Já vimos isso com Sérgio Leone e Clint Eastwood, com Stanley Kubrick e Jack Nicholson, e também com Audrey Hepburn, em Bonequinha de Luxo, sob a regência de Blake Edwards. Assim, ao assistirmos este Cinderela em Paris (Funny Face, 1957), de Stanley Donen, anterior à película de Edwards, percebemos o quanto o rostinho engraçado ainda precisava ser lapidado.

O mais curioso é que, na produção de Donen, Audrey interpreta uma espécie de moça recatada e viciada em livros e que, por obra do destino, será moldada pelo fotógrafo interpretado por Fred Astaire para se tornar uma grande modelo.

Há mesmo uma cena no filme na qual o fotógrafo afirma que além de modelo a jovem também se tornara numa atriz, pois já conseguia chorar ao fazer poses dramáticas. Mas Astaire se enganara em alguns anos... pois Blake Edwards ainda não dirigira a atriz naquela época. Depois de Bonequinha de Luxo vemos Audrey bem à vontade, como no filme Charada (Charade, 1963) do próprio Donen.

Mesmo assim, façamos o registro, a carreira da Audrey é uma das mais coerentes entre as atrizes do cinema estadunidense e assistir suas cenas nestes filmes é sempre muito prazeroso.

Para abrir 2012, uma abertura

2012-01-05T01:51:00.002-02:00

Bonequinha de Luxo (Breakfast at Tiffany's, 1961), de Blake Edwards.

É uma comédia romântica sobremaneira moderna, ainda que seja se uma simplicidade tamanha que, no final das contas, possa sugerir a semelhança com um filme qualquer, cujo enredo fora tantas vezes visto nas madrugadas da televisão.
Talvez a grande diferença seja a mão acertada de Blake Edwards, principalmente quando dirige Audrey Hepburn que, por sua vez, mostra que elegância e refinamento nada tem a ver com fama ou fortuna.
A abertura do filme deveria entrar no hall das cenas mais bem cuidadas da história do cinema.

Quase um Rick Bogart

2011-12-31T03:57:00.003-02:00

2011 e 2012

2011-12-23T10:43:00.000-02:00

Quase final de ano para quase um Rick Blaine!

Shirley & Eastwood

2011-12-21T00:51:00.003-02:00

Os Abutres Têm Fome (Two Mules for Sister Sara, 1970), de Don Siegel.

Sobre o filme: aqui.

Turma reunida

2011-11-30T14:49:00.003-02:00

Os Mercenários 2 (The Expendables 2, 2012), de Simon West.

Agora sim os anos 1980 estão de volta.

O tempo não é lugar

2011-11-24T11:28:00.002-02:00

É curioso o fato de que quase todos que se encantam pelo filme Em Algum Lugar do Passado (Somewhere in time, 1980), de Jeannot Szwarc, prendem-se nos detalhes errados. O tempo é metáfora, não é lugar. O amor é situação, não é fim. Viajar no tempo, então, para esta produção, é tão inevitável quanto qualquer outra narrativa. Assim, não há qualquer coisa de extraordinário na parte científica da viagem em si, mas sim nas pessoas que dela participam.

Explicar o envolvimento das duas personagens principais (Richard Collier e Elise McKenna) é achar que a filosofia pode trazer as respostas para todas as perguntas ou, ainda, acreditar que a ciência tem alguma precisão que não àquela inerente à especulação. Se existe uma sutileza na interpretação de Christopher Reeve (Richard) e Jane Seymour (Elise) tal atitude tem o mérito de equilibrar o romantismo de uma época distante com a atemporalidade do amor.

Entrementes, Em Algum Lugar no Passado trata, sobretudo, de experiência. E estamos falando aqui justamente da experiência individual de Richard, por mais que as personagens ao seu redor apareçam nas duas épocas abordadas naquele enredo: o início do século XX e o final dos anos setenta. Aqueles que lhe cruzam o caminho nos dois momentos, como a própria motivadora de sua viagem (Elise) ou o porteiro que recorda vagamente de já tê-lo conhecido são, por assim dizer, partícipes de uma engenhosa aventura romântica, com começo, meio e fim – não necessariamente nessa ordem.

São tudo sugestões que dão alguma coerência naquela sensação inerente de uma construção histórica em movimento, possibilitando a transformação imediata do factual em atemporal. Esta é a busca empregada por Richard através do tempo: aceitar que os fatos são tão essenciais em sua própria história quanto o que ele faz a partir destes.

Para quem acredita na possibilidade de universos paralelos fica compreensível aceitar que todas as decisões possíveis já foram estabelecidas e que o livre arbítrio é um navegar entre tantos destinos possíveis. Não é de todo mal pensar que o filme opta por uma narrativa convencional justamente para tratar sobre o tempo que, convenhamos, além de ser metáfora é sempre passado; nunca presente ou futuro, porque o que se vive é o que se lembra e o que se vai viver depende do ocaso – ou livre arbítrio.

Se querem crer num amor que ultrapassa as barreiras que o universo estabeleceu, tudo bem, mas que ao menos assistam ao filme com os olhos não tendenciosos, procurando a todo momento razões que a própria razão desconhece.

> Crônica publicada no jornal Notícias do Dia em 24/11/2011.

Molly

2011-11-16T01:35:00.004-02:00

É curioso que O Rei da Paquera (The Pick-up Artist, 1987), de James Toback, não seja um dos filmes mais lembrados (ou reprisados) quando se pensa na carreira de Molly Ringwald. Mas é fato que, no filme, a atriz mostra uma serenidade em sua performance que deixa para trás seus grande sucessos como Gatinhas e Gatões (Sixteen Candles, 1984) e Clube dos Cinco (The Breakfast Club, 1985), ambos de John Hughes ou A Garota de Rosa-Shocking (Pretty in Pink, 1986), de Howard Deutch - mas com roteiro de Hughes, parceria também repetida em Alguém Muito Especial (Some Kind of Wonderful, 1987) .

Em O Rei da Paquera, Robert Downey (ainda sem assinar o Jr.) é o típico estadunidense jovem cheio de papo e pouco pudor, mas quando se encontra com a jovem Randy Jensen (Molly), derrete-se numa paixão repentina e sem explicação. E não há explicação mesmo, pois o roteiro do proprio Toback é uma sucessão de boas intenções frustadas. Ainda assim, Molly Ringwald dá o melhor de si com tudo o que aprendera nos filmes de Hughes e além. É, talvez, o ponto nevrálgico na carreira de ambos: Molly e Robert. No caso do futuro Homem de Ferro, pode-se dizer que o ator ainda estava em formação, talvez desorientado ou mal explorado em papéis secundários ou parcamente elaborados - uma evolução que ocorre cinco anos mais tarde com a genial interpretação de Charles Chaplin no filme de Richard Attenborough intitulado Chaplin (Idem, 1992). Aí surge a carreira que todos conhecemos de fama, farra, frustação, fossa, mas com final (?) feliz, e uma volta por cima nos anos 2000. Já Molly Ringwald não consegue escapar da sua identidade impregnada dos anos 1980... e o sucesso vai como que minguando, levando-a, finalmente, para a televisão. Mesmo assim, O Rei da Paquera pode ter qualquer coisa de fundamental quando se pensa em Ringwald, o que já é motivo suficiente para que o filme seja, pelo menos, visto.

Cheiro de Oscar para atriz

2011-11-16T01:06:00.003-02:00

A Dama de Ferro (The Iron Lady, 2011), de Phyllida Lloyd.

Porque a academia adora um filme biográfico.

Aventuras

2011-10-29T21:31:00.006-02:00

A internet, ao oferecer tudo e nada ao mesmo tempo é, em muitos sentidos, uma espécie de hecatombe do conhecimento humano. Claro, poderão dizer uns, esta seria uma impressão atual de um fenômeno atual – ou seja, a história ainda não deu seu parecer sobre o tema com o distanciamento necessário. E isso também é verdade. A diferença, porém, está na relação que temos para com a tecnologia. Houve mudanças, sim, quando inventaram a máquina a vapor, com o cinema, com o rádio, com a televisão. Mas, por certo, todas estas invenções humanas foram aceitas pela maioria das pessoas de forma passiva. 99% de nós apenas curtimos e nos estressamos com carros ao invés de cavalos, com imagens em movimento no lugar de fotografias estáticas. Atualmente, porém, somos parte da tecnologia. Somos a internet porque esta é alimentada por nós (ainda uma porcentagem mínima em comparação à população mundial, é bem verdade), e estamos ali com nossos avatares. Cada um de nós é uma "entidade" na internet porque respondemos aos comentários em nossos blogs, participamos de "comunidades" físico-virtuais, temos mesmo uma vida em paralelo e em perpendicular através das oportunidades geradas pela rede mundial de computadores. Nasci em 1981, no Brasil, portanto acompanhei coisas surpreendentemente estranhas àquelas pessoas que nasceram a partir de 1995. Em 2000, a internet não tinha o apelo que tem nesta segunda década do novo milênio, mas já existia enquanto ferramenta contemporânea, presente, sobretudo, no cotidiano de crianças que, muito provavelmente, aprenderam a digitar na mesma época em que aprenderam a escrever e, em algumas ocasiões, quiçá, brincavam com o "mouse" do computador antes mesmo de aprender a ler. Com o governo incentivando a produção e, por sua vez, o consumo de tablets no país, em alguns anos essas novas gerações terão acesso ao seu computador portátil como hoje os aparelhos de telefone celular já existem em número maior do que a própria população brasileira. Em casos assim, não adianta olhar com nostalgia o passado, porque novas tecnologias impulsionam o percursso da civilização mundial. Sempre, é preciso fazer o alerta, os dois lados da moeda (já que o mundo é assumidamente capitalista) estão irremediavelmente ligados, e creio que essa coexistência seja uma necessidade da nossa espécie. A insatisfação pessoal nos levou ao espaço, buscando novos planetas porque sabemos que, um dia, há a possibilidade de colocarmos fim à Terra antes que as engrenagens do Universo possam fazê-lo. Ficamos, novamente, nós com nossos próprios sentimentos de nostalgia, procurando compreender cada nova tecnologia – e a era dos robôs ainda está por começar. Em minha experiência, aprendi a conhecer o mundo sem a necessidade da internet. Naquela época, até metade da década de 1990, quando os anos 1980 ainda faziam-se valer, a televisão ocupava muitas horas do dia. Se voltasse no tempo, uns 20 anos, por exemplo, estaria em noites como esta que agora se apresenta do outro lado da janela jogando videogame ou assistindo televisão (talvez uma fita de videocassete) ou ouvindo um disco de vinil. Vamos às lojas e vemos mais do mesmo: uma tentativa de reinvenção dos anos 1980, com aparelhos modernos de mp3 e afins imitando rádios antigos – mas também já vimos e ouvimos esse filme naquela penúltima década do século XX. Entretanto, não deixa de ser sobremaneira óbvia essa necessidade do comércio e dos fabricantes de tentar agradar todas as gerações. É mesmo curioso que a internet tenha nos fornecido tanto material para discutir a si mesma e, ainda assim, seja uma bagunça que ninguém entende muito bem. Talvez, quando os discípulos de Stephen Hawking descobrirem aquela "teoria de tudo" pregada pelo matemático, seja permitido analisar com mais coerência nossa maneira de ser. Enquanto isso, estamos aqui tentando curtir um pouco da realidade possível, brincando nos campos que o progresso ainda não pavimentou. Em certa medida, aquela geração de 1975-85 também é responsável por tudo isto. Tivemos a oportunidade de assumir a culpa por nossos antepassados (estado, nação, família), mesmo rejeitando-o em quase sua totalidade. Mas negar os erros enquanto história é uma impossibilidade em si mesma. Ninguém quer para si apenas a sua própria época – tampouco isto seria divertido ou interessante. Mesmo a internet é cheia de nostalgia, de lembranças e de história. Aquelas aventuras que vivíamos na década de 1980 se tornaram objeto de desejo para alguns. Para outros, tudo aquilo virou paixão. O cinema atual, de remakes e revivals, já sacou esse filão, e está aí Super 8 (Idem, 2011), do J. J. Abrams, a não me deixar mentir. A produção de Steven Spilberg usa da imagem icônica que a chamada década perdida impingiu em nossa realidade. Estão ali os elementos de uma sensibilidade juvenil marcada indelevelmente pelo cinema-e-vídeo. Há as bicicletas, a turma da escola, o medo do desconhecido, a aventura simples que toma dimensões arrasadoras. E existe ainda o que podemos chamar de "trunfo" do roteiro do próprio Abrams: a vaga sensação de que o mundo ao nosso redor estava, por assim dizer, sob nosso controle, mesmo nas horas mais difíceis, mesmo nos dramas mais pessoais. Super 8 pode soar pouco empático para essa turma pós-1995 (pós-moderna, pós-tudo), mas não chega a ser distópico ou anacrônico porque o diretor é precisamente uma das peças mais características do que o cinemão hollywoodiano ainda é capaz de identificar – e, nesse sentido, a película é muito mais relevante do que Scott Pilgrim Contra o Mundo (Scott Pilgrim vs. the World, 2010), de Edgar Wright, ousou sugerir. Em miúdos, Super 8 ainda aponta para essa separação entre o próximo (aquilo tudo que Shakespeare já revelou) e o distante (aquilo tudo que a internet ainda está para ser). Desta feita, é com alguma tristeza que percebemos o quanto estas aventuras que vivemos noutros tempos permanecem, de fato, apenas numa área qualquer do cérebro, acionada vez por outra, seja através de uma música ou de um filme.

Um policial chamado Machete

2011-10-24T07:05:00.012-02:00

Robert Rodriguez é, sobretudo, um pensador de sua própria arte. E é genial que um cara assim tenha se mantido por cima no cinemão americano com seu estilo pessoal sempre tendo algum destaque, mesmo quando faz seus filmes direcionados ao público infantil (como os da série Pequenos Espiões) ou quando co-dirige uma produção com doses de porradas e sangue como no caso deste Machete (Idem, 2010).

No cinema contemporâneo, Rodriguez usa a expressão "estilo pessoal" de forma mercadológica e conceitual, projetando sua visão de cineasta trabalhada nos seus já 20 anos de diretor. E, desde seu primeiro longa, o cultuado filme de "7 mil dólares" intulado El Mariachi (Idem, 1992), cada plano-cena-sequência de seus filmes mais recentes como que aprofundam o tal do estilo, cujas linhas gerais estão em estado bruto na película do mariachi confundido com assassino.

No caso de Machete, porém, há uma sensação de não-humor que chega a soar ligeiramente estranha. Em sua produção anterior para o público adulto, Planeta Terror (Planet Terror, 2007), tínhamos a matriz deste Machete com um quê de um maneirismo metafórico sobre o VHS enquanto produto do Cinema. Já Machete é, talvez, o melhor desfecho para a saga do mariachi, o que deveria ter acontecido no pretensioso Era Uma Vez no México (Once Upon a Time in Mexico, 2003). Ainda assim, o filme do ex-policial que é um assassino poderoso com armas de corte - o tal do machete - insinua um humor que nunca chega a ser. Em Planeta Terror, essa questão do humor era mais bem resolvida porque suas personagens eram escancaradas, tão sintéticas quanto os tais zumbis ou uma fita VHS. À personagem de Michelle Rodriguez bem caberia esse papel equalizador, sendo uma heroína mítica e cômica num espaço cinematográfico tão reservado aos homens pelo cinema hollywoodiano. Mesmo assim, Danny Trejo, que encarna Machete como se aquele fosse o papel de sua vida (e, não por acaso, é), comungou com o diretor a experiência de construir sua personagem de forma objetiva e cênica. Assim, em muitos momentos do filme, Machete é toda a planificação da cena. As outras estrelas do elenco (Steven Seagal, Robert De Niro, Don Johnson, Jessica Alba e Lindsay Lohan) seguem as ordens do diretor com tudo aquilo que têm, o quê, no caso das atrizes, não é muito.

Ah, Machete é co-dirigido por Ethan Maniquis, mas isso não vem ao ocaso deste texto.

Com o aval do bardo

2011-10-22T22:34:00.011-02:00

Ainda que na postagem anterior eu tenha me referido ao bardo, é nesta aqui que o dito cujo é uma referência sobremaneira evidente. Novamente convém citar os amantes de famílias rivais (Capuletos vs Montéquios) e a possibilidade praticamente infinita de criar variações sobre o mesmo tema.

Da animação inglesa (na verdade, uma co-produção entre EUA e Reino Unido) aparece o rápido e certeiro Gnomeu & Julieta (Gnomeo & Juliet, 2011), de Kelly Asbury, que já tem alguma experiência neste assunto digital - vide Shrek 2 (Idem, 2004), como diretor, e outros trabalhos, como assistente no departamento de arte.

Mesmo que o diretor seja estadunidense, o filme tem uma leveza inglesa presente em produções honestas e meticulosas, como por exemplo Um Lugar Chamado Notting Hill (Notting Hill, 1999), de Roger Michell.

Ao contar as aventuras de anões de jardim que são vizinhos e travam batalhas devido às antigas rixas familiares, Asbury apresenta indiretamente Shakespeare às gerações mais novas - com o próprio bardo destilando sua sagacidade na representação de uma estátua de praça.

Com um mote semelhante àquele dos filmes da série Toy Story, os anões de jardim só ganham "vida" quando não há qualquer ser humano por perto, e aprontam e aprontam e... se apaixonam, porque afinal a história inspiradora era, evidentemente, um conto sobre o amor e a paixão - e o quanto as pessoas não lidam bem com estes dois.

Gnomeo e Julieta são os anões de jardim das casas rivais que fazem Shakespeare parecer ainda mais divertido. Harold Bloom, talvez o mais influente pesquisador shakespeareano da atualidade, comentou certa vez que os jovens deveriam ler obras da alta literatura desde cedo, porém não aquelas muito rebuscadas, e citou Romeu & Julieta como um texto adequado. Está bem que a obra é uma tragédia com um final ligeiramente pertubador, mas a vida também se aprende nestas incosistências sociais.

Contando ainda com a produção executiva de Elton John, temos algumas canções bem conhecidas do compositor/cantor/pianista. E não se trata de um musical animado daqueles típicos filmes Disney no período pré-Pixar. Pelo contrário, as músicas são oportunamente bem aproveitadas na sua essencialidade - caso de Your Song, talvez o maior hit de Elton John, que aparece uns poucos segundos em cena (com tempo suficiente para brincar com o próprio artista).

Enfim, o bardo provavelmente daria seu aval para a produção que se não é brilhante, ao menos sintetiza o sentimento de sua obra mais conhecida.

Sem redenção

2011-10-22T16:40:00.011-02:00

Assistir uma comédia que não faz rir pode ser lamentavelmente pior do que uma tragédia que não comove. Shakespeare, aquele gênio de outrora, no entanto, mesclava tragédia e humor como ninguém, vide o fato da divertida "Ama" de Julieta no clássico "A Excelentíssima e Lamentável Tragédia de Romeu e Julieta" (como a peça foi chamada numa de suas primeiras publicações): trata-se de um feliz revide do bardo aos que pregavam um classicismo demasiado. Foi como se o poeta soubesse na medida correta o grau demodè que a tradição teatral clássica grega trazia consigo. Shakespeare deve ter lido alguns deles, provavelmente Sófocles, Eurípedes, Ésquilo, entre outros. E, com tais leituras, sentiu que aquela separação de gêneros - Comédia vs Tragédia - já não fazia tanto sentido como dantes. Mas, além de tudo, Shakespeare ainda é narrativa! Suas personagens, desde o louco rei ao ciumento mouro, têm os enredos definidos e definitivos, ainda que isso não signifique o fim das interpretações culturais. O dramaturgo de Stratford soube no exercício de sua escrita o quanto a tradição pode ser útil quando se quer buscar algo que a ultrapasse em excelência, mas nunca em essência. Assim, temos o aprofundamento da matéria humana, nunca uma negação.

...

Destacados tais pontos, chegamos ao filme Loucos por Dinheiro (Free Money, 1998), de Yves Simoneau. E aquilo tudo anteriormente escrito de nada serve ao diretor que consegue esculhambar com o talento de Mira Sorvino, forçar a barra com um decaído Marlon Brando, deixar de lado a sobriedade de Donald Sutherland e, ainda por cima, não entender o tempo do humor de Charlie Sheen. O roteiro é de uma complicação totalmente desnecessária, é bem verdade. Entretanto, Simoneau não sabe mesmo o que fazer com tantos atores bons e, eis que, todas as personagens conseguem provocar apenas ausência de simpatia - mesmo que, como sempre, há aqueles que vão torcer ad infinitum para a personagem de Sheen, seja qual for. O que era para ser um clímax, com a fuga das personagens principais e a morte do vilão corrompido pelo poder, apenas assemelha-se a uma vaga pertubação da ordem, preseunçosamente anti-clichê, previsivelmente sem assunto. Daí a necessidade do epílogo num país latino-americano, como se a piada final fosse, ao menos, redentora.

Estranho

2011-10-17T16:32:00.001-02:00

O Estranho Sem Nome (High Plains Drifter, 1973), de e com Clint Eastwood

A Vingança

2011-10-13T18:59:00.000-03:00

Preparando-se para Two and a Half Men

2011-10-11T17:46:00.006-03:00

Todo Mundo em Pânico 3 (Scary Movie 3, 2003)

Fora o fato de que uma graninha sempre cai bem, a única explicação para Charlie Sheen ter feito essa produção mais-do-mesmo do David Zucker é mostrar à Warner que ainda estava em condições de realizar um então novo seriado chamado Two and a Half Men.

Fimaço quente como o verão longo

2011-10-03T16:39:00.005-03:00

O Mercador de Almas (The Long, Hot Summer, 1958), de Martin Ritt.

Welles simplesmente genial na película.

CinemaScope mais do que necessário, imprescindível.

Ainda mais interessante é a simbiose (na falta de uma expressão mais adequada à tecnica do posicionamento da câmera, a planificação e o registro da imagem) entre campo e cidade estabelecidos por Ritt.

Atrapalhada

2011-09-28T16:01:00.008-03:00

Doravante cometi algum equívoco quando pensei que um filme era outro. Tinha uma especial lembrança de ver a trupe dos Trapalhões em um desenho animado divertido, daquelas impressões que ficam presas à lembrança, como uma sensação que insiste em ser boa, mesmo que nem mais façamos ideia do que seja a memória em si.

Foi o que aconteceu quando, por estes dias de setembro, assisti uma trapalhada pela outra. Pensei que Os Trapalhões No Rabo do Cometa (1986) era Os Trapalhões no Reino da Fantasia (1985). Tempos atrás também presenteei o caríssimo amigo Tiago Masutti com o DVD sobre o Cometa pensando ser o da Fantasia - no que estranhei quando aquele me falou sobre a precariedade do filme (para usar dalgum eufemismo).

Descobri tal quiprocó ao assistir o Cometa e não me satisfazer com a ausência de uma cena com a trupe atrapalhada num mundo futurista, com carros voadores e coisa e tal. O fato é que esta era justamente a cena mais marcante do filme em minhas memórias pouco confiáveis, mas posso admitir que a capa do DVD com aqueles desenhos das personagens dos Trapalhões como que me induziu ao equívoco, ainda mais que as duas produções traziam os traços dos Estúdios Mauricio de Sousa .

Sendo assim, também não tenho muitos comentários sobre o filme em questão, além do fato de ser uma produção bastante esquisita, dirigida pelo trapalhão Dedé Santana, com uma apresentação típica daquela televisão dos anos 1980 no Brasil. A lamentar também o áudio sofrível destes novos dvds, principalmente quando das partes musicais. Em quase todas as canções, tive de acionar a legenda em português para entender as letras.

Realmente, uma completa trapalhada. Agora, o jeito é assistir ao filme certo e ver se a memória foi útil de fato.

Era uma vez...

2011-09-25T23:08:00.002-03:00

E o que aconteceu...

2011-09-21T18:30:00.000-03:00

Tributo aos anos 1980

2011-09-17T20:03:00.007-03:00

Houve, sim, um momento de ruptura, de quebra das circunstâncias que considerávamos essenciais e, principalmente, de satisfação para com as coisas miúdas que sempre nos acompanharam. E, para deixar claro, é preciso entender que tudo aconteceu na década de 1980, mais precisamente com o cinema, e ainda mais singularmente com aquelas histórias de crianças, adolescentes e jovens inseridos num mundo mais honesto porque não apelativo.

Nessa década em particular, temos umas centenas de filmes que trataram deste momento juvenil (e, após muita procura, juvenil talvez seja a palavra-chave para compreender a época). Entretanto, apenas umas poucas produções captaram aquele desentendimento característico, ou um estranhamento que se dá no próprio idioma. E nenhum capricho foi desfeito para corroborar as presunções esquemáticas de uma análise dita sociológica, ou antropológica, ou lógica. Pelo contrário, os anos 1980 aconteceram sem se dar conta disso; um período oriundo do ocaso, sorriso nobre jogado no final de um século triste e, muitas vezes, impiedoso.

Se antes, principalmente depois da 1a. Grande Guerra, era tudo uma questão de potência contra potência ou uma falsa sensação de equilíbrio, estes poucos filmes da década de 1980 colocam as noções das nações de lado, revigorando um individualismo transgressor que ficou subjugado por ditadores, pelas religiões ou por qualquer outro modelo de organização. Mas tudo ruiu, como bem vimos; seja na práxis desumana dos conflitos ou na projeção cinematográfica.

Estes filmes, pois, tratam de alguma esperança juvenil, o que não deve ser traduzido como sonho ingênuo. As personagens anseiam por horas de divertimento, um compromisso assumido com a totalidade das ações imediatas. O baile no final de ano, o último dia de aula, o clube de amigos que inevitavelmente será desfeito: as interpretações dessas sutilezas dão o tom amargo que o mundo sugere, mas que de forma alguma é aceito por estas personagens tão parecidas entre si e tão semelhantes a nós mesmos.

Quando a década de 1980 terminou de fato, com o fim de todas aquelas implicações sensoriais, o sabor agridoce daquelas produções permaneceu solitário na história do cinema no século XX. Com o fim daquela época, acabaram-se também as oportunidades do regozijo, do carpe diem, do indivíduo aceitar que, pela primeira vez em toda a existência, estivemos perto de compreender o amor, longe do exagero romântico e cada vez mais próximos da única verdade que jamais poderemos supor.

Um esclarecimento

2011-09-16T15:09:00.000-03:00

Golpe de vista

2011-09-15T19:54:00.000-03:00

Estilo

2011-09-14T19:13:00.002-03:00

A Garota de Rosa-Shocking (Pretty in Pink, 1986), de Howard Deutch.

Vida ou Morte

2011-09-13T19:00:00.004-03:00

Os Caça-Fantasmas (Ghost Busters, 1984) , de Ivan Reitman.

Sessão já tarde

2011-09-09T19:04:00.001-03:00

Apenas pessoas

2011-09-09T18:24:00.006-03:00

O caso de Jon Avnet é desta feita curioso: ao permitir o talento de seus atores e atrizes, aproxima-se do quase real e, na mesma medida, afasta-se o máximo que pode da câmera.

Um pouco por intenção, avalie-se, outro pouco por falta de opção - típico de um diretor acostumado à televisão.

Tal anacronismo dramático se deu com Tomates Verdes Fritos (Fried Green Tomatoes, 1991) e também com este Íntimo & Pessoal (Up Close & Personal, 1995).

Daí que Robert Redford e Michelle Pfeiffer soltam-se num momento singular da dramaturgia hollywoodiana daqueles anos 90. A produção datada no meio da década sugere um caminho atípico porque navega em ondas obtusas, porém reconfortantes.

E aquele momento no qual a personagem de Redford edita uma matéria quando, sem querer (?), encosta o braço na pele da personagem interpretada pela Michelle Pfeiffer como que sintetiza a estrutura narrativa concebida por Avnet. Não se trata de um cineasta clichê, mas de um diretor de elenco de primeira grandeza.

Feito aqueles morangos

2011-09-08T18:26:00.005-03:00

Para ser sincero, sempre revelamos algumas verdades ou veleidades quando nos deparamos com as nossas lembranças e a nossa impressão do presente. Veja só o caso quando temos a Ilha por contraste de suas épocas. Mesmo sendo nostalgia adolescente, volta e meia parece que a cidade teve seus dias de inocência como aquele senhor do filme Morangos Silvestres, de Ingmar Bergman.

Como disse, pode ser mesmo um sentimento banal, ainda que sentimentos e banalidades sejam antagônicos mesmo que complementares. Porque se o médico Isak Borg, personagem do filme de Bergman, depara-se com o passado ao lembrar dos morangos silvestres que lhe eram familiares na juventude, também temos o privilégio de olhar nossa cidade com aquela esperança boba de que o futuro será diferente do que foi. Encontramo-nos na mesma viagem de Borg, visitando lugares cujas reminiscências são tão inevitáveis quanto o suave sabor de um morango silvestre.

Nesse passeio que se realiza em cada recordação, entendemos coisas que outrora não faziam sentido e nos esquecemos das peças que não se encaixavam naquele quebra-cabeça social. Com a Ilha, também muito ficou por ser feito e, na mesma medida, outros tantos desagrados emergiram feito aquelas embarcações que naufragaram nos seus arredores. Entretanto, os piratas desse recente passado utilizam armadilhas mais sutis – mas nem por isso menos agressivas – para agarrar seus tesouros. O que acontece nesse paraíso destruído é trocar o verde pelo cinza, inverter a beleza disforme da natureza pela palidez ordenada do caos. Como não ver ordem nas filas do trânsito, na sequência de desmandos públicos, na mania de grandeza que essa gente pequena tem? É tanta ordem que a bagunça chega a ser risível e previsível.

Quando Isak Borg acha ridícula a honraria acadêmica que está prestes a receber, ainda assim ele continua com as formalidades, assumindo um tantinho para si a culpa e a responsabilidade de boa parte do que já não mais existe. E, com a companhia de sua nora Marianne, o médico percebe que ainda há tempo, mesmo que as mudanças vindouras sejam sutis, mesmo que o mundo ao redor também relute em ceder.

Com Florianópolis por companheira, parece que alguma coisa está para acontecer. Novamente os morangos silvestres vêm à tona e temos uma outra oportunidade para saboreá-los.

> Crônica publicada no jornal Notícias do Dia em 08/08/2011.

> Texto também publicado no Blog Crônicas do Evandro.

Luz sonora

2011-08-27T17:55:00.003-03:00

Ellie Goulding - Lights

Jornalismo

2011-08-26T18:54:00.003-03:00

Michelle Pfeiffer, jornalista, em Íntimo & Pessoal (Up Close & Personal, 1996), de Jon Avnet.

Face a face

2011-08-25T16:33:00.002-03:00

Tony Montana: You wanna fuck with me? Okay. You wanna play rough? Okay. Say hello to my little friend!
[Tony shoots]

Scarface (Idem, 1983), de Brian de Palma.

Onde há fumaça, há Bogart

2011-08-24T16:47:00.002-03:00

Caricatura de quem não é quase, mas sim o próprio.

Medo ou Angústia

2011-08-22T17:56:00.000-03:00

Passando de fase

2011-08-20T11:34:00.011-03:00

O filme Scott Pilgrim Contra o Mundo (2010), de Edgar Wright, disseram os mais afobados, colocou o cinemão em contato direto com a geração que cresceu na onda Google, que de fato foi a pioneira em chamar o virtual de realidade, que sabe mais de jogos eletrônicos do que de qualquer outro assunto social. Em coisa de 20 ou 30 anos, teremos esta mesma geração nos governos, dirigindo as empresas e, vejá só, ensinando os mais jovens. Não convém discutir agora que efeitos positivos ou negativos implicarão tais atitudes, mas Scott Pilgrim, o filme e a personagem, deixam claro que as prioridades foram alteradas, o que, de fato, já não era nenhuma novidade.

Se a película de Wright assume principalmente uma edição mais acentuada e em sincronia com a vida contemporânea, trata-se muito mais de um exercício de estilo do que um reflexo da realidade pós-moderna. Isto nos leva a crer que a produção assume o presente adolescente como a realidade padrão, e o mundo complexo, que a priori está presente só na vida adulta, passa a ser um universo desinteressante e, mesmo, paralelo.

O fato de Michel Cera (Scott Pilgrim) ser uma espécie de símbolo atual deste novo (?) cinema pode sugerir que o filme esteja mais próximos de uma reinvenção cinematográfica neste começo de século. Ou pode ser tudo uma grande bobagem e indicar que apenas estamos passando de fase, como quando jogamos videogame. As mudanças que aconteceram ao longo da história do cinema permanecem presentes porque o que vem depois quase empre é agregado ao que vem antes. O próprio cinema, então, orienta que a “experiência” é fundamental para alcançar os ideais da partida. É uma espécie de conselho típico de livros de auto-ajuda, no qual afirma que só se sabe para onde vai se você souber de onde veio. Aí entra o grande problema adolescente para o qual este cinema está sendo desenvolvido: renegar o passado em função das tecnologias atuais. No final das contas, ou pelo menos no final deste texto, fica-nos a sensação de que o sucesso ou fracasso de filmes assim como Scott Pilgrim são elaborados a partir de um amplo sentido social, mas o público os consome cada vez mais num sentido estritamente sensorial. Entrementes, estas sensações, por sua vez, acabarão inevitavelmente tendo reflexo em suas vivências efetivas – e aí teremos um processo de regurgitação cultural quase tão inexplicável quanto qualquer outra coisa.

A narrativa, enfim, parecerá apenas uma forma cuja utilidade será questionável.

Obviamente sim

2011-08-17T16:59:00.009-03:00

Jerry Lewis, já com seus mais de 50 anos, interpretou um showman no película O Rei da Comédia (The King of Comedy, 1982), de Martin Scorsese. Talvez um dos melhores filmes de Scorsese, a produção co-estrelada por Robert De Niro traz o comediante Lewis numa levada própria, diferente de suas aparições amplamente conhecidas como o abobalhado cientista em O Professor Aloprado ou o desajeitado Stanley em O Mensageiro Trapalhão.

A idade, no caso, deu segurança para Lewis entender a proposta de Scorsese e abusar da concisão (dissimulada numa sisudez arquétipa) para dar cabo Jerry Langford - não por acaso, uma personagem com seu primeiro nome tão igual que chega a ser o mesmo. Como se, em algum momento, Jerry fosse Lewis e não Langford - mais uma vez, o sobrenome dá o tom de meta-linguagem ao iniciar por igual consoante.

Neste Sim Senhor (Yes Man, 2008), de Peyton Reed, pois, acontece uma questão interessante na carreira de Jim Carrey, considerado por muitos o sucessor de Lewis. O canadense que fez a fama com personagens exageradas e careteiras - Ace Ventura, O Máskara, etc - aqui está numa fase crítica que resvala na indecisão cômica e a meta-sobriedade. Se Jim não chega ao termo de Jerry em O Rei da Comédia, soa tipicamente como uma questão de tempo.

Parece-nos que as mascáras já não são assim tão importantes para Jim, quase qualificando-o como um ator dramático que ainda não encontrou o diretor adequado. Alguém poderia citar O Show de Truman, O Mundo de Andy e Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças. Mas essas três produções em muito são amparadas pelos roteiros que, originais ou não, jogam suas narrativas para um universo à parte, qual seus diretores em solilóquios da indústria cinematográfica.

Obviamente não temos como afirmar o futuro das escolhas de Jim Carrey. Pode ser que o ator entre em furada atrás de furada, qual aconteceu com Eddie Murphy. No entanto, é possível que as opções sejam mais interessantes caso um Eastwood, um Carpenter, um Argento esteja disposto a guiar o ator em filmes nos quais, obviamente, seja mais importante o que resulta do sim, e não a palavra em si. Positivamente, então, estamos falando de cinema.

Walken

2011-08-16T14:13:00.002-03:00

Christopher Walken

Total Schwarzenegger

2011-08-16T14:10:00.003-03:00

O Vingador do Futuro (Total Recall, 1990)

Urbe divina

2011-08-12T15:46:00.009-03:00

Tão humanos quanto divinos somos todos nós. Posto que deus é fruto do homem e o homem é fruto de deus, o filme Cidade de Deus (Idem, 2002) sugere que a religião implica na aprovação daquilo que as pessoas fazem. E se fazem tais atos é tão verdade que consentem nos mesmos e aprovar ou não passa a ser uma questão de circunstância. Porque também estão ligados entre si e com uma situação ainda muito maior por contemplar-lhes os dias - o bendito status quo -, os citadinos que moram na localidade carioca já não tem por onde, o que significa a inversão de valores que, a priori, seriam tão simples quanto básicos como o conceito antogônico de certo e errado. A imprudência passa a ser a razão, o exagero passa a ser a normalidade, e o humano passa a ser divino porque a única coisa que importa é o poder. E quando dizemos poder, estamos falando justamente de toda a escalada da humanidade, culminando no homo sapiens. E toda a intransigência e aceitação são condições sine qua non quando entendemos a força do filme de Fernando Meirelles. Se Cidade de Deus é muito mais cru que sua contra-metade Tropa de Elite (Idem, 2007), de Josá Padilha, convém sincretizar um pouco as relações pós-modernas, regurgitar todas as ameaças que aparecem quando elencamos o sagrado e o profano para, por fim, delimitar nossa interpretação claudicante do presente.

Lanterninha

2011-08-12T15:18:00.000-03:00

Para não se perder no cinema.

Que cara atrevido!

2011-08-09T22:26:00.001-03:00

Stallone: Cobra (Cobra, 1986), de George P. Cosmatos.

Ferris Bueller

2011-08-07T01:53:00.007-03:00

"Perante a questão "que herói do cinema gostarias de ser?", qualquer pessoa de bem responderá de pronto: Ferris Bueller! Não é que ninguém gostasse de ser o Indiana Jones ou o James Bon, mas todos temos noção que nunca seremos um arqueólogo de chapéu de abas e de chicote garimpando o santo Graal e enfrentando nazis. E nem todos ficamos bem de smoking."
Mais em: http://cinephilus.blogspot.com/

O Rei dos Gazeteiros

Curtindo a vida adoidado (Ferris Bueller's Day Off, 1986), de John Hughes

Bat & Cat

2011-08-02T22:46:00.001-03:00

Batman - O Retorno (Batman Returns, 1992), de Tim Burton.

Mostow em ação

2011-08-02T21:30:00.011-03:00

Não sou assim tão fanático pel'O Exterminador do Futuro 3 - A Rebelião das Máquinas (Terminator 3: Rise of the Machines, 2003), do Jonathan Mostow como acontece com o Bruno, mas é bem verdade que o filme tem seus méritos próprios que independem (mas funcionam bem por causa) do trabalho de James Camoron em O Exterminador do Futuro (The Terminator, 1984) e em O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final (Terminator 2: Judgment Day, 1991).

Mostow fez apenas quatro produções no cinema. São dele o bem cuidado Breakdown - Implacável Perseguição, o correto U-571 - A Batalha do Atlântico, este T3, e o fraco Substitutos. Se lhe falta ainda uma maturidade em sua própria misè-en-scene, também lhe sobram virtudes dignas de um cineasta preocupado como a essência inevitável de cenas bem construídas e uma planificação em boa medida auxiliada pelo trabalho de Nicolas de Toth - elementos evidenciados em T3. Na produção que traz pela terceira vez a personagem que imortalizou a carreira fílmica de Arnold Schwarzenegger, Mostow ainda se cercou de mais gente talentosa, como Marco Beltrami na trilha sonora, além de uma boa equipe de edição de som - e o destaque fica com a sequência em que o Exterminador persegue a T-X destruindo boa parte da cidade.

Por mais que fique uma sensação de encerramento com a chegada do juízo final (falsamente anunciado no subtítulo do filme 2, posto que o fato em si acontece apenas na terceira parte), convém creditar ao roteiristas uma honesta homenagem que não beira o "copiar pelo copiar" (coisa que, aliás, está muito mais presente em O Exterminador do Futuro - A Salvação (Terminator Salvation, 2009), do dublê de diretor McG. Até mesmo Michael Bay já teve produções mais coerentes no cinema de ação do que McG e seus filmes sobre As Panteras ou este reboot da série criada por Cameron. E Jonathan Mostow soube entender que homenagem não tem a ver com medo de jogar em time que está ganhando. Mostow aproveita o que de melhor Cameron filmou para jogar na tela um desfile de boas sequências, utilizando uma pitada de humor (ausente nos filmes do diretor de Titanic e Avatar).

T3 sofre apenas por atores limitados - no que cabe certa culpa a Mostow pela abordagem -, caso de Claire Danes e Nick Stahl. Já Kristanna Loken, com sua roupa cor de sangue coagulado, vai além do que Arnold conseguiu no primeiro filme (o que, convenhamos, não é muito difícil) e ocupa as arestas que a trama ainda deixa em aberto.

Bergman & Hitchcock por Robert Capa

2011-08-02T00:08:00.001-03:00

Dica por http://quixotando.wordpress.com/2010/12/21/bergman-hitchcock-por-robert-capa/

Fontes

2011-08-02T00:06:00.002-03:00

Ali ou acolá.

Para quem gosta de confusão...

2011-08-01T15:07:00.004-03:00

...uma confusão atrás da outra.

Preguiça

2011-07-27T03:06:00.003-03:00

Parece que o Zack Snyder estava com preguiça para fazer o Sucker Punch - Mundo Surreal (Sucker Punch, 2011) tanto quanto eu estou agora para escrever sobre este filme.

Num planeta qualquer

2011-07-25T20:11:00.009-03:00

É preciso dizer que a Alice Braga até que está bacana no action movie Predadores (Predators, 2010), de Nimród Antal. No papel de Isabelle, uma israelense atiradora de elite, convence na brincadeira proposta pelo roteiro: um bando de soldados (em seu sentido mais amplo) são levados ao planeta dos predadores para uma caçada numa selva que lembra a Floresta Amazônica.

Os predadores, é preciso dizer (ou não), são aqueles mesmos com cabelo rastafári que já brigaram contra Arnold Schwarzenegger, Danny Glover e até contra o Alien, também conhecido como o Oitavo Passageiro. Antal, que dirigiu o básico Temos Vagas (Vacancy, 2007) é por certo a grande nuança obtusa da película, porque não agiliza o que deve ser rápido e nem prolonga o que não convém ser sintético.

Adrien Brody faz uma dupla coerente com Alice Braga (AB + AB), e também assimila as quase invisíveis profundidades dramáticas das personagens. Não há qualquer cena marcante, mas é um filme sabiamente curto para entreter.

Sem classe

2011-07-21T18:29:00.012-03:00

Como tantos que assistiram este Esquadrão Classe A (The A-Team, 2010), de Joe Carnahan, fiquei com uma sensação muita estranha. Afinal, os nascidos até a metade da década de 1980 estamos todos acostumados ainda hoje com a refilmagem de séries clássicas, muitas oriundas daqueles anos de indecisão e outras tantas ainda mais antigas. E se o Mr. T, na pele do divertido BA, era a alma por trás de Esquadrão Classe A [a série] (The A-Team, 1983-1987), criada por Stephen J. Cannell e Frank Lupo, algo nos leva a crer que, infelizmente, faltou classe ao filme de Joe Carnahan. E não estamos cá falando de um ajuste esnobe ou elitista, mas sim de uma simpatia natural para com personagens marcantes feitos para os televisores numa época em que LCD e Plasma eram meras conjecturas. Liam Neeson como o chefe da equipe parece-nos ser tão somente uma escolha de mercado; um nome famoso para dar a credibilidade ao filme que tem na juventude e nos que conheceram a série na época original o seu destino inequívoco e rentável. E que dizer do bendito furgão que é deixado para uma possível (ou seria inevitável) sequência da película de Carnahan? A história de uma falsificação de dinheiro em nada ajuda às cenas de ação, ora imitando os filmes do agente Jason Bourne, ora plagiando as loucuras de James Bond. Em uma época na qual os estúdios hollywoodianos apostam em refilmagens, releituras e continuações, é de se estranhar a falta de esmero com a qual alguns produtores insistem em agir neste ramo de dominação estadunidense. Se o dinheiro está sobrando, pois que algum Warner, ou Fox, ou Disney dê mais uns trocados para que o Guilherme Fontes, enfim, termine o Chatô, o Rei do Brasil que, segundo consta no IMDB, é uma produção de 2003 e tem uma média de 5.8, sendo que nunca foi lançado ou, reza a lenda, finalizado. Afinal, assim como a série Esquadrão Classe A, Guilherme Fontes também é um produto feito para a TV da década de 1980.

Milla Milady

2011-07-20T19:21:00.001-03:00

Os Três Mosqueteiros (The Three Musketeers, 2011), de Paul W. S. Anderson.

A magia final

2011-07-18T09:44:00.017-03:00

É complicado e prazeroso abordar questões técnicas e de ordem sensoriais (sendo que, invitavelmente uma está intrínseca à outra) quando dos filmes da saga Harry Potter. Foram sete livros que originaram oito películas, reunindo dezenas de atores, quatro diretores diferentes e tantos mais envolvidos num universo que de tão grande parace não pertencer mais à autora J. K. Rowling. Tal situação sempre leva em conta um aspecto relevante que é o fã, este ser que não se importa muito com falhas ou deslizes tamanha sua paixão pela obra em questão.

Desta feita, eis o que acontece neste Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2 (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2), de David Yates. Como cogitei anteriormente sobre a Parte 1, tratam-se de dois momentos do mesmo filme, e não faz sentido separá-los (salvo, obviamente, por questões comerciais ou porque as pessoas vão ao banheiro esvaziar a bexiga, pois a Parte 1 possui 146 minutos e a Parte 2 conta com 130 minutos). Logo, assistindo-os em sequência não deverá permanecer aquela sensação de vazio deixada pela primeira parte; afinal, a sustentação de qualquer obra precisa de sua conclusão, quase um princípio básico das leis da física, ou mesmo uma noção elementar para arquitetos e engenheiros.

Com esse grau de afinidade que todos os que gostam dos livros têm com a história, não é tarefa difícil dar-se por satisfeito ao assistir sua conclusão. Yates soube dosar o respeito com o texto original e aproveitar as brechas que pôde para exercer sua atividade com algum frescor novo, coisa que não apareceia desde o terceiro filme, Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, 2004) de Alfonso Cuarón. Enquanto Cuarón criou uma esfera de quase terror na época inicial da adolescência para o trio central (Harry, Rony e Hermione), Yates deixou-se inebriar pelo que há de épico na conclusão elaborada por Rowling. O enredo das duas partes de As Relíquias da Morte é, por certo, muito distante de todos os seis capítulos anteriores, pois não segue padrões formais como o calendário escolar e nem mesmo possui uma orientação direta (que funcionava quase como uma "manipulação" - num certo sentido positivo do termo) do mestre Dumbledore. Este duelo final não permite ousadia, e o diretor entendeu o recado, ainda que não tenha sucumbido à pressão textual como o fizeram Chris Columbus e Mike Newell, este último em Harry Potter e o Cálice de Fogo (Harry Potter and the Goblet of Fire, 2005).

A percepção do destino é, possivelmente, o melhor momento de Daniel Radcliffe no papel do bruxo. É nesta ocasião que Harry se transforma em definitivo; ali ele já é o auror que o futuro lhe reserva, o pai de família que tem os olhos da mãe, aquele a quem sobrou a maior das responsabilidade. Como Potter, Radcliffe cresceu e amadureceu, o que influencia diretamente na sua formação de ator. Se a personagem lhe será um peso para toda a carreira, ao menos Daniel conseguiu deixar uma marca pessoal na dramaticidade que Harry tanto exige. Emma Watson (Hermione) e Rupert Grint (Rony) cumprem com mais naturalidade o papel que lhes cabe: ao lado do herói e acima dos coadjuvantes. Já Alan Rickman pôde, enfim, descansar tranquilo por ter a melhor presença em cena dentre todos os filmes no qual o professor Snape esteve. Papel semelhante coube a Matthew Lewis e seu desajeitado Neville Longbottom, cuja coerência só rivalizaria com a de Dumbledore. E, por falar no grande bruxo e sábio, Michael Gambon quase não tem cenas nesta produção, pois desaparece em Harry Potter e o Enigma do Príncipe (Harry Potter and the Half-Blood Prince, 2009), mas impõe sua austeridade de forma tão honesta que chega à semelhança de Richard Harris em Harry Potter e a Pedra Filosofal (Harry Potter and the Sorcerer's Stone, 2001) e em Harry Potter e a Câmara Secreta (Harry Potter and the Chamber of Secrets, 2002), ambos de Chris Columbus. Gambon realiza quase um acerto de contas para com os fãs mais ardorosos que preferiam Harris - morto após o segundo filme.

O que David Yates iniciou em Harry Potter e a Ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix, 2007) adquire, enfim, o significado esperado por todos que durante 10 anos acompanharam Harry Potter em suas aventuras e, sobretudo, desventuras no mundo do cinema. A magia que se acaba com Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 2 pode interferir na percepção que temos de toda a saga agora, mas nem por isso deixa esta história menos divertida.

Qualquer semelhança...

2011-06-19T01:08:00.001-03:00

...não é mera coincidência!

Proposta Indecente?

2011-06-14T19:19:00.006-03:00

A Proposta (The Proposal, 2009), de Anne Fletcher, padece daquela tentativa de sempre ao insistir que Sandra Bullock faça comédias românticas. Em primeiro lugar, o romantismo no filme, se não é nulo, trata-se de apenas um pretexto para agradar neófitos da paixão (ou seja, o público adolescente). Já os mais vividos poderão se satisfazer com a cena apressada e mal acabada do esbarrão desnudo entre Bullock e Ryan Reynolds, seu par romântico da vez.

É bem verdade que a diretora não teve um roteiro coerente e inteligente para trabalhar, mas também é verdade que a mesma jamais tenta se esforçar para valorizar seus atores - principais e coadjuvantes. Mesmo a divertida vó da personagem de Reynolds, interpretada pela decana Betty White, carece de algum senso de atualidade, como se a vida funcionasse sempre desritmada.

Entrementes, não há ritmo que suporte piadas velhas ou atuações exageradas. E é nesse detalhe do exagero que reside a diferença entre Bullock e Reynolds. Contido, o ator tem seus bons momentos quando na companhia de Bullock. Já a atriz, mais uma vez, demonstra que precisa de um diretor talentoso ou que confie mais na história.

O filme pode ser divertido se o espectador quiser passar o tempo acompanhado da beleza clássica de Sandra Bullock ou do carisma jovem de Ryan Reynold, que será o Lanterna Verde em algumas poucas semanas. Mas, ainda assim, é preciso se esforçar, diferentemente do que fez a diretora.

Um por todos...

2011-06-08T18:22:00.004-03:00

Os Três Mosqueteiros (The Three Musketeers, 2011), de Paul W. S. Anderson.

O cinema consoante de Woody Allen

2011-06-06T22:03:00.003-03:00

Escândalos a parte, Woody Allen tenta ser um sujeito comum. Fã de jazz, toca clarinete num bar uma vez por semana. Possui muitas neuroses e as trata indo religiosamente ao terapeuta. Gosta de bom livros, restaurantes e é apaixonado por cinema. Seus relacionamentos são confusos e a fama de intelecutal o persegue para todo lugar que vá.

A cinematografia deste nova-iorquino, porém, nada tem de comum. Dono de uma das mais sólidas e respeitáveis carreiras autorais da história do cinema, Allen afirma que dirige filmes porque assim “se sente melhor”. Misturando drama e comédia, o cineasta geralmente aborda temas espinhosos como adultério, assassinato e o significado da existência. Os vocábulos a seguir formam um mini-roteiro básico para tentar decifrar um pouco mais esse judeu norte-americano que se tornou um ícone de qualidade no cinema mundial.

AMOR – O mais universal e inexplicável sentimento humano é ainda mais universal e inexplicável na visão de Allen. O amor extraconjugal do cunhado pela irmã de sua mulher, o amor fraterno do tio pela sobrinha órfã ou o amor generoso das irmãs que, mesmo com suas diferenças, se admiram e se respeitam perfazem algumas das formas como este sentimento se manifesta em sua obra. Seus personagens perseguem continuamente o amor sem jamais alcança-lo em sua plenitude.

CINEMA – O fascínio que Woody Allen demonstra pela sétima não encontra paralelo em nenhum realizador da atualidade. Filmes como A rosa púrpura do Cairo, no qual um personagem sai da tela para a vida real, Dirigindo no Escuro, em que um cineasta fica cego justamente no momento que tem sua grande chance ou Celebridades, que flerta com o mundo egocêntrico dos astros milionários, reafirmam sua admiração e carinho pela arte cinematográfica.

FAMÍLIA – Que a convivência familiar é marcada por hipocrisias, traições e idiossincrasias na obra de Allen não se discute. Mas é também na família em que seus personagens encontram abrigo e compreensão. O filho judeu que procura os pais para dizer-lhes que vai virar católico, a irmã viciada que pede dinheiro à careta ou o irmão mais velho que procura o caçula para “dar um jeito” na amante incômoda mostram que a família é uma instituição falida, mas que ainda não foi inventado nada melhor.

MUSAS – A cine biografia de Allen está associada às musas na mesma intensidade que sua biografia pessoal está relacionada aos escândalos. De Diane Keaton, em O Dorminhoco e Noiva neurótico, Noiva nervosa, passando por Mia Farrow, em produção como Simplesmente Alice e Hannah e suas irmãs, à Scarlett Johansson nos filmes Match Point e Scoop - O Grande Furo, as musas de Allen desempenham papel de destaque na obra do cineasta.

NOVA IORQUE – Ela é considerada a capital do mundo, mas para Woody Allen a cidade de Nova Iorque é o grande quintal de sua casa. Território em que os personagens da maioria de seus filmes contracenam, a grande maçã é retratada em todas as suas dimensões. Os apartamentos apertados, as livrarias escondidas em bairros distantes e os bancos do Central Park são cenários recorrentes nos filmes deste que se define um “cineasta nova-iorquino”.

PERVERSÃO – Uma das constatações ao analisar a produção cinematográfica Woodyniana é que não existem limites para a imaginação humana quando o assunto é perversão. O médico que se apaixona e consuma o seu amor por uma ovelha, o bobo da corte que mesmo sabendo da morte certa seduz a rainha com afrodisíacos ou o respeitável senhor de idade que sente prazer em se travestir de mulher são apenas alguns dos personagens pervertidos que povoam os filmes de Allen.

SEXO – Com uma obra no currículo chamada Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo, mas tinha medo de perguntar é natural que este tema seja recorrente na filmografia do cineasta. Em seus filmes, as pessoas são movidas pelo desejo sexual e não respeitam convenções, tabus familiares ou classes sociais. Taras, fetiches, desejos e paixões motivam personagens que, numa perspectiva amoral, buscam apenas a satisfação do mais básico dos instintos humanos.

VIOLÊNCIA – As digressões sobre violência na obra de Woody Allen acontecem de muitas formas. A violência pode ser explicitamente cruel como o assassinato premeditado de Crimes e Pecados ou galhofeiramente cômica como os assaltos hipnóticos de O escorpião de Jade. Para Allen a brutalidade nos senhores de terno e gravata é mais selvagem que em marginais e ladrões. Os meios é que mudam.

Em Melinda & Melinda, filme de 2005, um dos personagens, alterego do cineasta, reflete que a existência pode ser uma engraçada comédia ou uma dramática tragédia, tudo depende do ponto de vista. Woody Allen escolheu a sua forma de ver vida. Descubra qual assistindo seus filmes.

> Texto do brother Elizandro Duarte, em Sociedade dos Cineastas Mortos.

Nova Iorque sem motivo

2011-06-04T16:00:00.016-03:00

Existem aqueles que escrevem "Nova York", misturando uma coisa assim meio anglo-saxã com o jeitinho típico de nosso país tropical. Tenho cá minhas ressalvas para tais mesclas linguísticas e fico com o abrasileirado título citadino da capital inclemente, incoerente, irreverente e influente do ocidente: Nova Iorque; vila de crônicas infinitas e paisagem deste Contos de Nova York [sic] (New York Stories, 1989), trio de curtas dirigidos por Martin Scorsese, Francis Ford Coppola e Woody Allen.

Assim como acontece com outros tantos filmes cuja variedade de diretores e enredos tenta dar uma coerência qualquer, o mesmo sintoma usual dá as caras na tríade cinematográfica que compõem as janelas de Contos...

Pela ordem, pois.

Scorsese não sabe o que fazer com a cidade em Lições de Vida, mesmo mal que acomete produções suas como Gangues de Nova York [sic] (Gangs of New York, 2002) - então pelo excesso - e Vivendo no Limite (Bringing Out the Dead, 1999) - aqui pela sinestesia que não se completa. Aliás, falando em incompletude, os principais desastres fílmicos (micos, é claro) de Scorsese tendem a ser por razões de falta de elementos essenciais ao seu estilo. Em boa parte das vezes, o De Niro cumpre esse papel complementar, vide Taxi Driver (Idem, 1976), Touro Indomável (Raging Bull, 1980) e O Rei da Comédia (The King of Comedy,1982). Scorsese sabe trabalhar com bons atores, caso do próprio De Niro, de Jerry Lewis, de Daniel Day Lewis, mas por vezes se perde num comedimento que deixa-o no constrangimento da covardia; falta-lhe arriscar-se quando já não precisa provar nada a ninguém - coisa que, por exemplo, Clint Eastwood já executa desde os anos 1990, pelo menos. Por não saber como tirar proveito da cidade, o diretor parte para compreender ou ilustrar uma arte que não lhe é a mais familiar: a pintura. E os maneirismos de Nick Nolte afloram como um pintor excêntrico cujos arremates artísticos e sociais são tão empolgantes quanto uma disputa de frescobol. As personagens (Nolte e Rosanna Arquette, belíssima, diga-se) passam e não temos a sensação de perdas e ganhos, de crime e castigo, de sagrado e profano; enfim, à pintura não convém o mister de assumir a imponência da urbe.

Cppola co-escreveu a história com sua filha Sofia, então com dezoito anos ou menos, de uma garota que vive em Manhattan e tenta conciliar a pré-adolescência com a ausências dos pais que sempre viajam. O roteiro por si só é uma colagem de cenas que causam um nó na cabeça de tão triviais. Por focar numa criança, a jovem estreante Heather McComb, os Coppolas quiseram fugir dessa insanidade que pode ser a vida adulta, mas caíram com os quatro pés no buraco do clichê. Mas tantos clichês poderiam ter ao menos uma coerência em se tratando de entretenimento desmedido, como o próprio Coppola pai faria anos mais tarde com Jack (Idem, 1996). A grande vantagem do Francis para com o resto da humanidade é que ele já dirigiu a trilogia d'O Poderoso Chefão e, portanto, os seres humanos sempre vão desculpar qualquer besteira que o, agora, dono de vinícola possa realizar. Esta história, então, intitulada A Vida sem Zoe, que conta também com a participação de Carmine Coppola (pai do Francis), Talia Shire (irmã de Coppola) e Gia Coppola (neta do diretor), é tão desastrada que termina na Grécia, quase como que colocando a culpa naqueles pioneiros da filosofia e ausentando-se da cidade motivo. Nova Iorque, mais uma vez, ficou a ver navios.

Woody Allen escreve tanto e tanto dirige quanto atua que realizar o Édipo Arrasado foi quase como um passatempo; exercício de um autor romances que escreve contos para aquelas histórias que se consomem em poucas páginas. Para tudo, pois, é sempre necessário o conteúdo. Sabendo deste pequeno grande detalhe, Allen é o que se sai melhor entre os seus colegas de produção. Recorrente em sua carreira, a mítica grega - e aqui não há nenhum traço daquela homenagem tresloucada do curta dos Coppolas - se faz presente mais uma vez com a história de um homem perturbado pelas ações de sua mãe e o quanto estas interferem na sua vida. E, quando tudo parece estar bem, o presente (tempo e objeto) se esvai feito uma aparição no céu da metrópole. A imagem de sua mãe logo acima dos prédios é, novamente, a mente intrânquila do próprio autor-personagem (para não o chamarmos de perturbado). Logo, o Édipo sabe menos de si quanto mais quer se afastar de sua história, aqui representada na figura de sua mãe). E o psiquiatra, feito o espectador que gosta de ouvir enredos malucos mas quer estes resolvidos, é mesmo capaz de apelar para o sobrenatural quando todo o mundo parece ser non sense. É bem verdade que a história seria praticamente igual em qualquer outra cidade com uma ligeira esfera urbana, mas Allen sabe ao certo que nuanças de Nova Iorque devem aparecer em seus filmes. E, com a ajuda de seus fiéis escudeiros (Larry David e Mia Farrow), a tarefa parece ser tão simples como escrever um conto quando as ideias não faltam.

Super

2011-05-22T01:02:00.005-03:00

Superman IV: Em Busca da Paz (Superman IV: The Quest for Peace, 1987), de Sidney J. Furie.

Supergirl (Idem, 1984), de Jeannot Szwarc.

Valente Agresti

2011-05-08T20:55:00.016-03:00

Valentin (Valentín, 2002), do Alejandro Agresti, aquele mesmo de A Casa do Lago (The Lake House, 2006) é qualquer coisa que podemos chamar de alta literatura das mais bem filmadas. Se A Casa do Lago trazia consigo qualquer coisa da literatura latino-americana, este Valentin tem em sua concepção a fluidez do cinema argentino recente, ainda mais se levarmos em conta o sucesso daquele O Segredo dos Seus Olhos (El secreto de sus ojos, 2009), do Juan José Campanella, coroado com o Oscar de Filme Estrangeiro em 2010.

Agresti é um destes diretores que surgem como fossem produtos de uma combustão espontânea que aconteceu poucas vezes no passado, urdindo um Dario Argento, um Robert Zemeckis, um Francis Ford Coppola. E, assim como os outros cineastas citados, Agresti foi então aplaudido massivamente por uma produção que se quer ousada, fabular, iconográfica como acontece com A Casa do Lago – filme com os recursos hollywoodianos que tanto conhecemos e com atores conhecidos mundialmente, caso de Sandra Bullock e Keanu Reeves que repetem a parceria de Velocidade Máxima (Speed, 1994).

Mas foi com Valentin que a carreira do diretor teve o estalo merecido, fazendo de Agresti um hábil cinematografista, possuidor de uma câmera-olho que não víamos desde Argento nos provocar com o seu Prelúdio Para Matar (Profondo rosso, 1975) – película que chegou mesmo a reestruturar a obra do mestre Alfred Hitchcock. E esta história do garoto que dá nome ao filme é, junto com A Casa do Lago, uma sensação que fica além do que já estávamos acostumados nesta primeira década do século XXI. Podemos mesmo inferir que desde o começo de sua carreira, no ano de 1978, com o curta El zoológico y el cementerio (Idem, 1978), Agresti vislumbrou um futuro no qual o modernismo daria lugar a um vazio sem fim, mas tão vazio que lhe seria o momento ideal para colocar no hall das personagens inesquecíveis seu trio mais famoso: Valentin (da produção de mesmo nome), Alex Wyler e Kate Forster (estes de A Casa do Lago).

Evidentemente que o garoto Rodrigo Noya, imagem fidedigna que se assume como a personagem título, cumpre com sobras a responsabilidade que o roteiro de Agresti lhe impõe. Valentin é uma criança que compreende o mundo feito um adulto, assumindo seu papel enquanto agente social, ainda que tais conceitos não lhe tirem o sono ou lhe venham à mente. O pequeno Valentin é o autor/diretor maduro, sob a forma de uma criança, qual fosse possível reinventar sua própria história, o que é, por assim dizer, uma das características mais nobres do cinema, justamente por ser a última das artes.

Texturas & Matizes

2011-03-25T14:39:00.004-03:00

A melhor versão jamais feita de Casablanca para as texturas e matizes suprimidas do original.

Figurino básico

2011-03-24T13:49:00.010-03:00

Psiquê romântica

2011-03-23T17:02:00.001-03:00

Psiquê

2011-03-23T14:10:00.012-03:00

...

...

Psicose (Psycho, 1960), de Alfred Hitchcock.

Sobre cinema, sem entender sobre cinema

2011-03-10T03:03:00.007-03:00

A Trilha (A Perfect Getaway, 2009), de David Twohy, é uma aula de como fazer um filme B sem graça. Não que ser um filme B seja problema, mas neste caso, de fato, é! Twohy por algum motivo obscuro (ou pelo fato de ter dois pequenos sucessos com Vin Diesel - na persona do herói Riddick) convenceu uns estúdios meio que desconhecidos a bancar um roteiro seu, tão incosenquente que chega a ser uma afronta à beleza da Milla Jovovich.

Na trama (ou tramoia?), um casal em lua de mel é surpreendido por um casal de assassinos que, em um dado momento, não são bem aqueles que pensamos, mesmo que as reviravoltas sejam previsíveis desde que as personagens começam a falar sobre roteiros de filmes. Metalinguagem descabida, para dizer o mínimo, numa história sobre cinema de alguém que parece não entender nada sobre cinema.

Queria mesmo era ver um diretor como Woody Allen ou Clint Eastwood dirigir a Milla para que esse tenebroso capítulo de sua carreira seja exterminado.

E, ainda me pergunto como Twohy pode ter bolado a história e co-escrito um roteiro tão bem acabado quanto o de O Fugitivo (The Fugitive, 1993), de Andrew Davis?

De volta para o passado

2011-03-10T00:13:00.003-03:00

Peggy Sue, Seu Passado a Espera (Peggy Sue Got Married, 1986), de Francis Ford Coppola.

Bom nome de Blog

2011-03-10T00:12:00.000-03:00

http://tristexilio.blogspot.com/

Naturalismo fora de hora

2011-03-09T02:31:00.009-03:00

A natureza a ocupar a tela mais do que as personagens. Paisagens imensas sob os olhares fluidos de uma mãe em seus últimos momentos e do filho que a carrega nos braços quando passeiam. À primeira vista, um filme no qual não existe ação, mas logo a verdade possível das imagens solta aos olhos e temos aquela vontade de exercitar o pensamento, coisa que só o cinema possibilita, seja quando há motivos para gargalhar, seja naquelas horas em que as lágrimas são mais do que necessárias.

Entrementes, deixemos evidenciados que Mãe e Filho (Mat i syn, 1997), filme de Aleksandr Sokurov, não é uma produção triste, mas sim sobre como a tristeza é imprescindível ao drama humano; solução vital que acompanha a humanidade desde as civilizações mais remotas e cujas formas ganharam contornos mais definidos a partir dos povos gregos, com seus filósofos e poetas. E, para Sukurov, a tragédia é da mesma forma inevitável, mesmo que esteja explicitamente relacionada com um naturalismo fora de hora. Em alguma medida, são as paisagens que assistem as duas personagens que insistem na busca por explicações que jamais virão.

A mãe conhece o filho porque seu. O filho cuida da mãe porque sua. E estas sugestões de pertencimento guiam ambos por entre as árvores e o vento numa estação friamente indefinida. O sol se faz presente de maneira indireta; o vento – como fosse possível filmá-lo – também cobre a sutileza dos movimentos, porque (e aqui está a quebra de paradigma a qual o cinema contemporâneo submeteu este filme) todas as coisas acontecem ao mesmo tempo, universalizando qualquer relativização que Mãe e Filho possa suscitar.

As cenas longas e em cenários escolhidos por uma noção dramática precisa do diretor-pintor participam de uma ideia de inclinação que atua como ponto de origem e, já que se trata também de uma pintura, como ponto de fuga. O que o horizonte esconde na distância passa por esse princípio enviesado da verdade possível, no qual o cinema está mais próximo das artes plásticas do que do mundo da fotografia. Com infinitos tons, Sukurov não precisa de uma vasta paleta de cores. Tudo, naturalmente, sai do verde e das sombras e reflexos que o verde oferece. Para a mãe e para o filho, as horas pouco mudam mesmo com a onipresença do fim.

Se a duração do filme é econômica, o mesmo não se pode dizer do volume de sensações oferecido pela sequência narrativa. No final da década de 1990, Aleksandr Sokurov ousou no conservadorismo ou conservou a ousadia que a sétima e centenária arte assumiu como sua. O resultado? Uma pequena obra-prima.

Filmes

2011-02-11T18:37:00.003-02:00

Abaixo, uma pequena lista de filmes que quero rever, mas que deve interessar unicamente para mim, e postarei aqui justamente para me lembrar de revê-los.

O Iluminado (The Shining, 1980), de Stanley Kubrick
Férias Frustradas (Vacation, 1983), de Harold Ramis
Superman III (Idem, 1983), de Richard Lester
Sem Saída (No Way Out, 1987), de Roger Donaldson
Busca Frenética (Frantic, 1988), de Roman Polanski
Memórias de um Homem Invisível (Memoris of an Invisible Man, 1992), de John Carpenter
Poderosa Afrodite (Mighty Aphrodite, 1995), de Woody Allen
Fogo Contra Fogo (Heat, 1995), de Michael Mann
O Paciente Inglês (The Eglish Patient, 1996), de Anthony Minghella

Os outros somos nós

2011-02-11T15:33:00.018-02:00

Em alguma medida, ainda que pouco plausível, Substitutos (Surrogates, 2009), de Jonathan Mostow, como que inverte o sentido da frase "eu não sou outro" do Kant, porque quando um ser humano relaciona-se com outros através de corpos cibernéticos (ou avatares, para usar o termo mais apropriado pós-mega-filme-dos-seres-azuis) a vontade passa a superar a ação e as pessoas como que viram depósitos de mentes.

Os tais substitutos são aquilo que consideramos como viver uma vida que não é nossa, mergulhados num sono profundo consentido, diferente daquilo que ocorre em Matrix (Idem, 1999), dos irmãos Wachowski, quando tudo era experiência psíquica.

No futuro imaginado pelo diretor, faltam certos elementos que deixariam a narrativa mais honesta. Mas é sabido que Mostow é um colador de mise-en-scènes e, em certa medida, até convencional, mesmo quando está próximo de acertar, como em O Exterminador do Futuro 3 - A Rebelião das Máquinas (Terminator 3: Rise of the Machines, 2003) ou em U-571 - A Batalha do Atlântico (U-571, 2000).

Majestade

2011-02-09T14:26:00.004-02:00

Que fique registrado neste blog:

O filme The King (Idem, 2005), de James Marsh, é possivelmente o filme mais pretensioso da história do cinema (pelo menos entre as produções que já assisti).

Ned?

2011-02-01T10:11:00.003-02:00

See More Groundhog Day Various at IGN.com

Feitiço do Tempo (Groundhog Day, 1993), de Harold Ramis.

Laughs

2011-01-29T02:52:00.003-02:00

Nos tempos da peste

2011-01-14T15:58:00.004-02:00

Caça às Bruxas (Season Of The Witch, 2011), de Dominic Sena

That's all, folks!

2011-01-14T10:15:00.001-02:00

Genesis - That's all

On the road again

2011-01-13T17:20:00.007-02:00

Fúria Sobre Rodas (Drive Angry, 2011), de Patrick Lussier.

http://listen.grooveshark.com/s/On+The+Road+Again/2ERw4E

Damon em 2011

2011-01-12T16:18:00.003-02:00

Os Agentes do Destino (The Adjustment Bureau, 2011), de George Nolfi.

Bravura Indômita (True Grit, 2011), de Ethan e Joel Coen.

Além da Vida (Hereafter, 2011, de Clint Eastwood.

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Três películas com Matt Damon a serem conferidas em 2011.

A primeira parte é uma obra inacabada

2011-01-09T18:28:00.014-02:00

Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1 (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1, 2010), de David Yates, é, logicamente, a primeira parte de uma história completa - o que ocorre no livro de mesmo nome escrito por J. K. Rowling. E, justamente por isso, tem seu conceito mal construído (enquanto única película). Não há gancho suficiente para justificar a primeira parte dessa obra, ainda que, com o próximo filme, essa Parte 1 seja revista.

Diferentemente do que gostaríamos de assistir, o crescimento (em idades, experiências, dramas do cotidiano) das personagens não vai além daquele mostrada pelo mesmo Yates em Harry Potter e o Enigma do Príncipe (Harry Potter and the Half-Blood Prince, 2009), também comentado aqui.

Uma das justificativas para dividir o último livro da autora inglesa em duas partes era preservar os detalhes do livro, posto que nem sempre imagens dizem mais que palavras. Com este sétimo filme, David Yates, de alguma forma, comete os mesmos erros de Chris Columbus nas duas primeiras adaptações cinematográficas. A pretensão, um tanto quanto desnecessária, de se preservar as nuanças narrativas acaba por deixar de lado a caracterização de tipos que os fãs dos livros tanto gostariam de ver valorizados, caso de Rhys Ifans e seu Xenófilo Lovegood.

O professor Severo Snape (Alan Rickman), que se mostrará indispensável à conclusão de toda a história, pouco aparece na trama e sem a ambiguidade que se poderia aproveitar na adaptação. O mundo dos trouxas (não-bruxos) também merecia aparecer não apenas como mero cenário de ocasião, afinal a guerra de Voldemort (Ralph Fiennes) - que ainda não é o vilão que se lê nos livros - ultrapassa o mundo mágico e coloca em pauta questões importantes e não tão distantes assim quando pensamos na perseguição àqueles que não são sangue-puro (nascido de pai e mãe bruxos), numa reinvenção do arianismo de Hitler (alguém tão mestiço quanto o próprio Voldemort). Apenas nos delírios insanos de Bellatrix Lestrange (Helena Bonham Carter, cada vez mais celebrada como atriz) temos de volta um pouco do espetáculo que só o cinema é capaz de proporcionar.

Com a segunda parte, esperamos um fim digno às personagens (pois muitas morrerão na batalha final) e uma conclusão dramática à altura da primeira grande saga do século XXI. E que a bruxa esteja à solta, mas com as poções e os feitiços adequados.

Mau humor, boas piadas

2011-01-07T16:52:00.013-02:00

Não sei não, e nem poderia saber, mas acho que com Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works, 2009), de Woody Allen, o diretor colocou alguns dos melhores (e dramáticos, e mau humorados, e críticos) axiomas em sua carreira de piadista.

O filme está ali para Woody rir de si mesmo e, justamente por isso, num papel que seria tão seu quando se conhece os trabalhos anteriores de Allen na frente das câmeras, é na pele de Larry David que tudo pode dar certo, mesmo as piores coisas da vida. Uma seção biográfica, na qual a personagem principal fala com uma plateia (câmera) que inexiste paras as outras personagens, e uma insatisfação motivacional que não se importa com críticas ou autocríticas, porque se sabe assim: eis o presente que Woody Allen oferece sem papas na língua.

Ficamos indecisos entre gostar ou não de Boris (David), porque também ele próprio não está interessado por qualquer apreço. Ainda que se veja como uma mente superior, o quase ganhador do Nobel de física é tão incoerente quanto qualquer um, seja sua ignóbil esposa caipira, os poucos amigos que o aceitam mas não o apoiam, ou os pais da esposa que descobrem um mundo novo na cidade grande.

Após algumas produções gravadas no exterior – entre as quais, a trilogia tragicômica Ponto Final - Match Point (Match Point, 2005), Scoop - O Grande Furo (Scoop, 2006) e O Sonho de Cassandra (Cassandra's Dream, 2007) –, o reencontro de Woody Allen com Nova Iorque é a volta das piadas em que o principal é rir de si mesmo e, por que não?, dos outros.

Confusão no Oriente

2011-01-07T16:45:00.005-02:00

A grande questão que fica após assistir Rede de Mentiras (Body of lies, 2008), de Ridley Scott, é uma ausência de contemporaneidade indistinta. Como se o diretor de dois dos mais respeitados filmes de ficção científica – Alien, O Oitavo Passageiro (Alien, 1979) e Blade Runner - O Caçador de Androides (Blade Runner, 1982) – estivesse mais preocupado com suas personagens do que com a ambientação de uma história atual, mas sem qualquer empatia com o público.

É traiçoeiro e desastroso o somatório da Russel Crowe e Leonardo DiCaprio, ainda que estes pouco contracenem em toda a película. Crowe, porém, tem a desculpa de uma personagem que se quer dividida entre o pessoal e o profissional, mas que apenas é tão unilateral quanto qualquer outro estadunidense médio. DiCaprio, pois, que vive numa zona de conflito (o Oriente Médio), como que adquire escrúpulos porque o cotiano não lhe é dos mais saudáveis. Quem rouba a cena e também tem as melhores nuanças do roteiro é Mark Strong, cujo segredo de ser um homem poderoso está em dançar conforme a música.

A história é simples, mas a narrativa de Scott se perde em repetições e lugares comuns. Os papéis femininos confirmam essa falta de inventividade. Como eu sempre digo, não se pode esperar muito de um filme com o DiCaprio.

Susto

2011-01-07T00:51:00.005-02:00

The Ward (2010), de John Carpenter.

Será que estreia nos cinemas do Brasil?

Atrás das grades da janela

2011-01-05T00:09:00.013-02:00

É realmente curioso e empolgante pensar que um cineasta como Michael Curtiz tenha dirigido tantos filmes e com tanta qualidade ao longo de quase cinquenta anos. De 1912 a 1961, Curtiz dirigiu pelo menos um filme por ano, mas sua média ia além disso. Além de ter filmado a mais famosa história de amor do cinema e um dos melhores filmes em qualquer lista especializada - estamos cá falando de Casablanca (1942), que fique claro -, o diretor nascido em Budapeste era conhecido por seu extremo profissionalismo, tendo participado dos mais variados gêneros da sétima arte.

A emotiva e divertida comédia Não Somos Anjos (We're No Angels, 1955) é um exemplar digno do talento de Curtiz, além de trazer Humphrey Bogart num dos raros papéis cômicos de sua carreira. O ator, famoso por encarnar mafiosos ou detetives impiedosos, está tão à vontade como o foragido Joseph que por si só fornece toda energia necessária à produção.

Entretanto, o elenco complementar também honra o enredo politicamente incorreto, mas deliciosamente certeiro. Aldo Rey e Peter Ustinov, cada qual a seu modo, completam o trio de fugitivos da Ilha do Diabo, em pleno Natal de 1895. Juntos, os três sintetizam o desajuste social que o mundo ocidental pode proporcionar, bem como suas consequências para o bem e para o mal. Se há pecado e perdão, cada qual deve saber de si e viver para escolher.

Quando o trio encontra a simpática família Ducotel, todos são convidados a repensar seus dias e sua capacidade para as mudanças. O pai é um esforçado comerciante que toma conta da loja de seu primo Andre Trochard; enquanto a mãe queria ter um cotidiano menos repetitivo e, por isso, a certa altura afirma ter alguma inveja de Joseph. Já a filha é uma jovem apaixonada pelo sobrinho de Andre, Paul Trochard, o qual não tem o sentimento recíproco, no que se importa mais com o próprio sucesso.

E se Michael Curtiz repetidas vezes filma o trio atrás das grades de uma janela, é porque joga a dúvida para os dois lados: afinal, qual a situação mais prisioneira de si mesma, os presidiários fugitivos no telhado ou os que vivem as dificuldades típicas de uma família estagnada? Pois a grade está para os dois lados, envolvendo a todos num mesmo destino que pode ser decidido por uma simples picada de cobra, como aquela que um dos fugitivos carrega numa pequena maleta.

As bobagens que as pessoas cometem jamais ajudarão para que estas se transformem em anjos. Mas, por vezes, é nas desventuras que as boas ações aparecem, tal e qual Michael Curtiz revela neste filme quase cruel, mas necessariamente bem humorado.

O fim justifica a mentira

2011-01-03T10:49:00.013-02:00

Quando o oficial Miller executa mais uma "batida" frustrada no Iraque à procura de armas químicas, o mesmo começa a suspeitar que há alguma coisa errada com a fonte destas informações. E é assim, sobre poucas informações, que o diretor Paul Greengrass monta a estrutura uniforme de Zona Verde (Green Zone, 2010).

"Miller: At least tell me how it happened. How does this happ... how does someone like you write something that's not true? Tell me".

Matt Damon, com o suporte de vários veteranos da invasão estadunidense no Iraque, procura fugir da angústia de Jason Bourne (sua personagem na trilogia de espionagem baseada na obra de Robert Ludlum) e mergulha na obstinação de um soldado disposto a entender seu papel no conflituoso país.

Greg Kinnear, Brendan Gleeson e Jason Isaacs fazem atuações moderadas, mas importantes. Apenas Kinnear não tem a (falta de) empatia suficiente no momento em que percebe que a democratização do Iraque está longe de ser um plano de fácil aplicação.

Greengrass apresenta sequências de ação com seu estilo próprio de câmera na mão, um mal chamado "estilo pseudo-documentário" ou qualquer coisa assim, mas que serve ao propósito do tema de Zona Verde.

Ainda que as decisões de Washington (leia-se Bush e seus também despreparados assessores) estejam sutilmente presentes na película, é fato que o roteiro sabe-se linear e por isso mesmo não titubeia ao afirmar que o fim justifica a mentira, pois sabemos, antes mesmo de assistir ao filme, que jamais foram encontradas armas químicas no Iraque.

A interesseira interessante e o casal cúmplice

2011-01-01T12:37:00.008-02:00

Howard Hawks equilibrou seu cinema com um toque de mestre: trata-se de sustentar a película na empatia de seus atores e suas atrizes. Como retribuição, Hawks pôde trabalhar com as mais famosas e talentosas personalidades dos anos dourados ou prateados de Hollywood.

Não sei se sou o único – creio que não porque a sincronicidade anda por toda parte –, mas, para decifrar o cinema de Howard Hawks em Uma Aventura na Martinica (To Have and Have Not, 1944) e em Os Homens Preferem As Loiras (Gentlemen Prefer Blondes, 1953), percebi que tudo tem a ver com proximidade.

A trama folhetinesca de Uma Aventura na Martinica, baseada numa história de Ernest Hemingway com roteiro de William Faulkner, extrapola os limites da simpatia e empatia que um casal central pode suscitar numa tela de cinema (ou de uma televisão de LCD/Plasma). Suas personagens quase sempre estão próximas umas das outras e, também, da lente da câmera. Tal circunstância é ainda mais curiosa porque Hawks não é um adepto contumaz da utilização de closes. É uma opção acertada quando o diretor refuta veementemente a obviedade dramática do close a favor de um olhar que humaniza as cenas através de carismáticas performances.

Tamanha proximidade vazou para fora das telas com a união de Bogart e Bacall, enciumando o diretor e produtor, cuja película duela de igual para igual com Casablanca (1941), filme de Michael Curtiz o qual, aliás, tem sinceras semelhanças (além de contar com o mesmo ator principal).

A câmera de Hawks quer de seus atores e atrizes, principalmente Humphrey Bogart e Lauren Bacall, o que lhes é íntimo e pessoal. E não é diferente o que acontece em Os Homens Preferem As Loiras.

O câmera e a câmera querem estar perto e mais perto de Marilyn Monroe (e quem não queria?), mas Jane Russel também lhes desperta o interesse na medida em que se deixa levar sem qualquer ciúme para com a loira que divide as cenas.

Com a sensibilidade leve dos musicais e comédias românticas dos anos 1950, a história da garota interesseira (Monroe) e da garota interessante (Russel) é puro clichê dos mais saborosos. Eis, pois, o legítimo uso de como produzir mais do mesmo e, sobretudo, mantendo os aspectos mais importantes e relevantes de sua cinematografia.

Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Marilyn Monroe e Jane Russel atenderam com especial gentileza as sugestões de Howard Hawks, deixando como legado dois filmes saborosos como são todas as coisas com as quais mais queremos estar próximos.

Nos vemos ano que vem

2010-12-31T12:20:00.004-02:00

Harry e Sally - Feitos um Para o Outro (When Harry Met Sally, 1989), de Rob Reiner.

Com Billy Crystal, Meg Ryan e Carrie Fisher.

Boas entradas para todos.

Longas horas numa casa

2010-12-31T11:42:00.022-02:00

Horas de Desespero (The Desperate Hours, 1955), de William Wyler, é um noir com cara de Hitchcock. Não tanto pela condição do suspense, mas sim pela visualização limpa e equilibrada dos planos.

Assistimos Bogart e Cia dentro da casa na qual se passa a maior parte das cenas e nos perguntamos: Como é possível tantos planos diferentes? São sete personagens que se deslocam dentro de uma casa e nunca há excesso nas imagens, como fosse necessário ao diretor que cada qual atuasse também qual um elemento de composição, adequando a arquitetura dos ambientes à mise-en-scène de Wyler.

Não há propriamente um duelo entre Humphrey Bogart e Fredric March, até porque a personagem de um faz o jogo da outra. Assim, dá-se muito mais uma troca do que um duelo.

No pseudo-falso-título, logo pensamos que é a família que passa os maus bocados, mas são os fugitivos do presídio aqueles que mais temem e, logo, são os mais desesperados para que tudo dê certo.

Bogart, Bacall & Monroe

2010-12-30T20:43:00.000-02:00

Silent Night

2010-12-24T14:38:00.010-02:00

Noite Vazia (1964), do brasileiro Walter Hugo Khouri, é a única produção brasileira que está estruturada numa idéia icônica do outro. O cinema de Khouri é um olhar, quase sempre, para si mesmo, tanto em seus filmes-bobagem quanto em seus filmes-conceito. Mas Noite Vazia não é nenhum dos dois tipos.

Como no cinema de Bergman, os espaços vazios (ainda que amplos) pontuam os planos quase sistemáticos.

A esfera ambígua que é a lente do Walter Hugo Khouri é o exemplo sintomático de um cinema nacional que nunca chegou a existir de fato. Com Noite Vazia, o não-cinema brasileiro se faz em duas cores (preto e branco) apenas porque o colorido lhe tiraria toda a ausência que lhe é inerente.

O vazio do filme é como a Morte jogando xadrez: leitmotiv de um cinema gritando pela inexistência do outro sobre todas as coisas.

Noite Vazia é, cá entre nós, tudo aquilo que Interiores, do Woody Allen, não conseguiu ser.

Noite Vazia, cá entre eu e eu mesmo, é o melhor filme nacional que já assisti. Isso, sem falar nos bons tempos da Norma Bengell.

Autopresente de Natal

2010-12-24T13:33:00.008-02:00

Dei-me para mim mesmo um DVD comprado na Saraiva por R$ 12,90 (coisa de seis euros).

Trata-se do filme Horas de Desespero (The Desperate Hours, 1955), com Humphrey Bogart e Fredric March, ambos dirigidos pelo William Wyler.

Para ver ainda este ano, depois do Natal.

Em breve, mais uma crônica neste blog.

E, se não nos vermos até amanhã, uma boa tarde e uma boa noite!

Música de final de ano

2010-12-22T16:11:00.001-02:00

Belle & Sebastian com Norah Jones - Little Lou, Ugly Jack, Prophet John

DiNada ainda

2010-12-22T13:28:00.009-02:00

Alguém pode me explicar como o DiCaprio pode ter sido indicado ao Oscar por Diamente de Sangue (Blood Diamond, 2006), de Edward Zwick? Das atuações sofríveis do ator, esta é possivelmente a maior de todas. DiCaprio participou de bons filmes, ainda que até o Selton Mello se sairia melhor.

Zwick não é lá um dos diretores mais inspirados, ainda que tenha dirigido uns poucos bons atores em uns poucos filmes.

Djimon Hounsou está sempre bem, ainda que o escalem quase sempre para o mesmo papel.

E Jennifer Connely está charmosa como a jornalista, ainda que sob as orientações de um Dario Argento, ficaria ainda mais sexy.

Brigas para que te quero?

2010-12-21T18:22:00.009-02:00

Era o que se o diretor Richard Thorpe em seu Ivanhoé, O Vingador do Rei (Ivanhoe, 1952). Duelos de espada risíveis, quando não desnecessários numa época em que verossimilhança não era a palavra da vez, pelo menos para uma certa parcela da plateia.

Liz Taylor, um pouco menos novinha que na época dos filmes da cadela Lassie (que, em cena, era interpretada por um macho), faz de sua Rebecca uma coadjuvante com dramaticidade zero.

Joan Fontaine, com Rowena, é o único pingo de serenidade e eloquência neste filme histórico que não é indicado nem mesmo para ilustrar aulas de história com professores iniciates.

Mais vale ler o livro que inspirou o filme, de autoria de Sir Walter Scott, publicado em 1819, e que é considerado um dos primeiros (se não o primeiro) romance histórico.